“Un jour de Pluie à New York” de Woody Allen

Une comédie plaisante de Woody Allen qui se déroule dans sa ville fétiche de New York : deux étudiants (d’une université moyennement cotée, hors de la ville) amoureux doivent y passer deux jours et rien ne va se passer comme prévu. Venant tous deux de familles aisées, originaire de New York pour lui mais de l’Arizona pour elle, bobos contre ploucs, mais ils croient s’aimer au-delà des stéréotypes propres à leurs origines.

Alors Woody accumule tous ces petits clins d’œil qui nous font tant sourire depuis le début de sa carrière, sur la mère, la famille, les habitudes de la bourgeoisie intellectuelle de New York, la communauté cinématographique hollywoodienne, etc. Finalement, ce week-end agité va faire réaliser au jeune héros que sa vie est dans cette ville et qu’il se morfondrait ailleurs. Une fois réalisée cette évidence, il renvoi sa petite amie dans son université de province et reste au cœur de Big Apple où il a déjà initié une relation avec une pure new-yorkaise : jolie et peste.

Ce film est un délice de fraîcheur réalisé par ce jeune cinéaste de 83 ans qui ne peut plus diffuser ses productions aux Etats-Unis compte tenu des accusations de harcèlement sexuel dont il est accusé. L’Europe, bonne mère, continue à l’accueillir et l’acclamer. Le temps passe, hélas, pour tout le monde, mais on regrette un peu l’époque où Woody jouait dans ses propres films. C’est encore lui qui arrivait le mieux à exprimer cet humour allenien tellement apprécié en France.

DEDET Christian, ‘La mémoire du fleuve – l’Afrique aventureuse de Jean Michonet’.

Sortie : 1984, Chez : d’ailleurs phébus

La biographie passionnante d’un forestier au Gabon, avant et après l’indépendance de ce pays : rédigé à la première personne par le médecin-écrivain Christian Dedet, ce livre est un « roman-vrai », fruit de l’amitié et du dialogue entre l’auteur et Jean Michonet, le héros.

Le récit remonte au grand-père qui a fait deux enfants (dont la mère de Jean) avec une femme noire mariée « à la coutume »*. Après le décès de ses deux parents de tuberculose dans l’hôpital de Lambaréné du Dr Schweitzer (1875-1965, prix Nobel de la paix 1952), Jean, métis, prend la suite de son père après la Iième guerre mondiale en exploitant des permis forestiers achetés à l’administration coloniale puis à l’Etat gabonais une fois créé. A l’époque tout est manuel, les arbres sont abattus à la hache et transbordés à Port Gentil par le fleuve, camions et remorqueurs apparaîtront plus tard. Les forêts sont peuplées d’insectes, de maladies, d’éléphants, de crocodiles et, surtout, de traditions ancestrales et peu compréhensibles pour les coloniaux faisant plus confiance à Descartes qu’aux gris-gris. Le cannibalisme n’est jamais loin. Jean Michonet en tant que métis cohabite avec ces deux cultures et se fera initié au bwiti, sorte de société secrète se prétendant quasi-religion.

Le lecteur suit la vie de Jean, ses expéditions à 15 ans dans le Sud afin de « recruter » des bras pour les compagnies forestières, le lancement et la chute de différents business de bois, puis de peaux de crocodiles, son implication dans les dispensaires soignant la lèpre, dans des écoles privées pour démocratiser l’enseignement autant que faire se peut. Ses mariages, ses enfants, ses relations complexes avec ses familles française et gabonaise, ses rencontres avec d’autres forestiers au cœur de nulle part, les histoires de vieux blancs entre deux bouteilles qui hantent encore l’Afrique de nos jours.

Le roman est « vrai », l’aventure est réelle et plutôt admirable. Il n’est pas bien sûr que les choses aient véritablement changé au cœur de la forêt depuis cette période. L’indépendance, la mauvaise gouvernance et les compromissions avec la francafrique ont enrichi le clan familial au pouvoir, il y a sans doute moins de tuberculose, et encore, mais tout autant de traditions bloquant un véritable développement de ce pays où l’on a découvert depuis de très grands gisements de pétrole qui devaient pourtant assurer sa prospérité.

Michonet porte d’ailleurs un regard partagé sur ces traditions si prégnantes : il fait soigner ses enfants à l’hôpital et fait plus confiance aux chiffres qu’aux Dieux pour la gestion de ses affaires. Mais il doit composer avec les comportements des hommes et femmes qui l’entourent. Alors il croise des chefs et marabouts aux pouvoirs surnaturels dont il raconte des exploits auxquels il aurait assisté, entre hallucination collective de fêtes traditionnelles et véritables phénomènes inexplicables. On sent son scepticisme devant ces manifestations que sa double origine l’empêche sans doute de rejeter définitivement.

Il mourra bêtement noyé dans l’océan avec ses deux filles qu’il eut avec une deuxième femme mariée « à la coutume » après que la première, française, renonçât avec leurs deux enfants à cette vie de forestiers usante.

Quoi qu’il en soit, ces personnages ont vécu une véritable aventure dont le récit est devenu un des livres culte des apprentis-aventuriers d’une Afrique immobile.

* Ce qui veut dire dans le langage de l’époque, un couple mixte dont l’élément africain risque d’être oublié plutôt facilement au gré des évènements, et qui se traduira souvent par « un vieux blanc avec une gamine locale », toujours valable des décennies plus tard.

New Order – 2019/10/11 – Paris le Grand Rex

Bluedot festival 2019 (photo by Warren Jackson)

Superbe concert de New Order à Paris ce soir, débuté sur Wagner et clôt sur Gainsbourg ! Il reste trois des musiciens historiques, Barney bien sûr, principal auteur-compositeur, musicien et chanteur (Bernard Sumner de son vrai nom), Stephen Morris à la batterie, Gillian Gilbert aux claviers. Peter Hook (dit Hooky), bassiste fondateur du groupe les a quittés en plutôt mauvais termes il y a dix ans (voir ses mémoires « Substance – New Order vu de l’intérieur ») et est remplacé par Tom Chapman. Phil Cunningham fait le deuxième guitariste depuis bientôt quinze ans.

Et tout ce petit monde nous fait replonger avec bonheur dans le son des années 80’ que nous avons tant aimé. Le début de la décennie, lorsqu’ils reprirent le flambeau du groupe post-punk Joy Division explosé en plein vol après le suicide de leur charismatique chanter Ian Curtis, guitares brutes, voix et petite ritournelle de clavier ; le son de la fin de la décennie, plus électronique et dansant. Ils passent largement en revue ces périodes et font tressauter le Grand Rex lorsqu’ils entament les classiques électro. Les puristes, sans doute aussi les plus âgés, s’émeuvent sur les retours à l’époque Joy Division, d’ailleurs Barney porte sur son T-shirt noir le célèbre logo du disque Unknown Pleasure, premier des deux disques que produira Joy Division.

Le light show coloré et animé ajoute une note de gaîté dans la musique plutôt sombre de ce groupe qui fut un peu la tête chercheuse du rock de la fin du siècle dernier. Le résultat est enthousiasmant.

New Order a continué d’écrire des disques et de les jouer sur scène dans les années 2000, après diverses interruptions consacrées à des projets alternatifs, après diverses interruptions dont Music Complete en 2015. Le groupe est toujours sur les planches et tout le monde s’en félicite.

Setlist : Intro Das Rheingold Vorspiel (Richard Wagner song)

Age of Consent/ Restless/ She’s Lost Control (Joy Division song)/ Disorder (Joy Division song)/ Academic/ Your Silent Face/ World/ Tutti Frutti/ Subculture/ Bizarre Love Triangle/ Fine Time/ Plastic/ True Faith/ Blue Monday/ Temptation

Encore : Decades (Joy Division song)/ Love Will Tear Us Apart (Joy Division song)

Outro : Je t’aime… moi non plus (Jane Birkin & Serge Gainsbourg song)

« Steve Bannon – le grand manipulateur » d’Alison Klayman

Un documentaire sur Steve Bannon : ex-âme damnée du président américain Trump, l’un de ses conseillers les plus proches qui l’a mené à la Maison Blanche, il est depuis tombé en désamour avec son président mais il continue de développer sa vision politique prônant le retour à la nation, la fermeture des frontières à l’immigration et la fin de tout ce qui peut ressembler de près ou de loin à une institution multilatérale ou supranationale.

Le garçon est suivi et filmé comme son ombre par la réalisatrice Alison Klayman au cours de la période précédant les élections américaines de mi-mandat en 2018. A cette époque il a déjà été remercié par la présidence mais il continue à parcourir le pays pour y développer ses idées et soutenir la politique trumpienne. Comme il a plus de temps depuis qu’il ne travaille plus à la présidence, il parcourt également l’Europe pour essayer de fédérer les partis d’extrême droite autour de son discours. Et il n’a pas trop de mal à réunir les Salvini, Le Pen, Orban et consorts qui surfent sur cette vague populiste depuis longtemps.

Le documentaire ne rentre pas vraiment au fond de la vision de Bannon et se contente de décrire son personnage. Ex-banquier chez Goldman Sachs il a l’air largement plus malin et pernicieux que les dirigeants européens qu’il soutient. On ne mesure pas bien la solidité de ses convictions mais on voit qu’il goûte cette action d’agit-prop conservatrice que Mme. Michu adore. Bannon a sans doute encore de beaux jours devant lui.

« Apocalypse now final cut » de Francis Ford Coppola

C’est la troisième version d’Apocalypse now, légendaire film de Coppola sur la guerre du Vietnam, sorti en 1979. Le principal intérêt de la version 2 était l’apparition d’une scène au cœur d’une plantation de colons français avec une soirée dans laquelle s’affrontaient la vision colonisatrice française en Indochine et le combat anticommuniste américain au Vietnam. Cette scène est maintenue dans la version 3 et le mythique final de Marlon Brando avec son discours sur l’horreur est sans doute un peu rallongé. Globalement le film est le même, on se demande d’ailleurs un peu à quoi sert ce versionning ? Si on élimine des raisons commerciales, sans doute Coppola est-il conscient d’avoir commis une œuvre cinématographique marquante qu’il veut peaufiner pour n’en laisser que la substantifique moëlle, ou au moins ce qu’il croit l’être.

Quoi qu’il en soit, le spectateur ne se lasse pas de visionner une fois encore ce film éblouissant sur cette guerre tragique de la seconde moitié du XXème siècle ! Tout a été démesuré dans cette guerre comme dans le film qui en raconte un épisode. Le plus étonnant dans cette aventure cinématographique fut que le scénario ait été basé sur le roman de Conrad paru en 1899, Au cœur des ténèbres. Le roman se passe en Afrique durant la colonisation belge, le film se déroule près d’un siècle plus tard au Vietnam au cours de la lutte militaire américaine contre le communisme. Dans les deux cas, un homme est saisi d’une folie meurtrière déshumanisée, ivre de son pouvoir, dans un contexte où en somme tout est permis. Dans les deux cas la raison reprendra le dessus avec des méthodes peu orthodoxes mais parfois nécessaires.

Bacon en toutes lettres

In Memory of George Dyer (1971)

Exposition dédiée à Francis Bacon (1909-1992) au centre Pompidou de Paris : peinture mêlée aux lettres, des petites salles sonorisées disent des textes d’Eschyle, Nietzsche, Bataille, Leiris, Conrad et Eliot, écrivains ayant inspirés le peintre qui était un grand lecteur. On ne trouve pas de lien direct évident entre les œuvres peintes et écrites sinon une folie un peu morbide et effrayante des deux côtés.

Les œuvres exposées sont celles peintes entre 1971 et le décès de l’artiste britannique. Elles sont parfois de grande taille, souvent en triptyque, toujours avec un fond de couleur chatoyante et le personnage central dans les beiges-marrons. Les formes sont celles si typiques de Francis Bacon, dégoulinantes, désarticulées, monstrueuses. Rien n’est droit, tout est mouvant, c’est la réalité telle que l’artiste la voyait. Certaines toiles sont dédiées à George Dyer, son modèle et amant qui se suicidera (drogue et alcool) en 1971 à Paris à la veille d’une rétrospective au Grand Palais. Elles ne sont pas plus perturbantes que les autres.

Tout s’effondre dans cette vision du monde tellement particulière. Le texte de Conrad présenté dans l’une des salles est celui si célèbre repris par Marlon Brando dans Apocalypse Now se terminant par ce mot répété deux fois dans un souffle : « L’horreur ! L’horreur ! ». C’est un peu le fil rouge de la création de cet artiste, on éprouve de la fascination voyeuriste devant ces images de dévastation qui hante Francis Bacon : que peut-il se passer dans l’âme d’un créateur pour produire de telles œuvres ?

Le texte d’Eschyle est lui aussi évocateur :

J’entre au fond du sanctuaire, couvert d’offrandes, et je vois près de l’ombilic un homme souillé de sacrilège assis en suppliant, qui serre dans ses mains dégoutantes de sang une épée fraichement tirée et un long rameau d’olivier soigneusement enveloppé de bandelettes, ou pour mieux dire comme une éclatante toison.

Eschyle, « Les Euménides »

On découvre par ailleurs l’amitié inattendue de Bacon avec Michel Leiris (1901-1990), écrivain-poète et ethnologue français. Inattendue tant ces deux personnages paraissaient peu assortis. Le second a fait connaître le premier en France à la fin des années 60’ qui lui a aussi inspiré des textes. Leiris a aussi préfacé la majorité des catalogues de Bacon. Les deux artistes vont s’inspirer et se stimuler l’un l’autre au long de ces années de fréquentation. Des portraits de Leiris sont présentés dans l’exposition.

On ne mettrait sans doute pas les tableaux de Bacon dans son salon sous peine de sérieusement perturber l’atmosphère, mais cette exposition rend un bel hommage à cet artiste important du XXème siècle.

Dugain Marc, ‘Ils vont tuer Robert Kennedy’.

Sortie : 2017, Chez : folio 6635

Marc Dugain continue à mettre à contribution son imagination fertile au service des grands évènements et personnages de notre XXème siècle occidental. Avec un talent particulier il mêle réalité et fiction et convoque les Etats-Unis d’Amérique des années post-2ème guerre mondiale en plein conflit de puissance avec l’Union soviétique. Alors repassent dans ses romans « documentaires » tous les combats d’une époque qui n’en fut pas avare.

On suit ici la famille Kennedy en pleine tourmente politico-morale, les relations douteuses entre mafia, rebelles cubains et pouvoir politique, les projets des services secrets en quête d’innovations diverses pour gagner la guerre froide contre l’ours soviétique, et une famille canadienne sans doute mêlée à ces projets pour mettre la psychologie au service de ce combat !

Mais finalement, tout ceci a-t-il existé ou n’est-ce que le fruit de la paranoïa du personnage principal ? Le lecteur tirera sa propre conclusion de ce roman haletant. Ce qui est sûr est que John et Robert Kennedy ont été assassinés dans ce pays à la violence endémique.

Les doigts dans le pot de confiture !

Une polémique franchouillardo-culturo-germanopratine souffle sur la rive gauche : Yann Moix, écrivain de plateaux télévisés voit sortir de derrière les fagots des écrits et dessins antisémites qu’il a commis il y a de nombreuses années. D’abord dans le déni, il admit ensuite ces dérives expliquant qu’il a depuis vécu un long chemin de croix pour purger ces erreurs. L’auteur brillant plus ces derniers temps par ses apparitions polémiques dans les médias que par sa création littéraire, ces saillies racistes lui sont renvoyées en boomerang dans les leçons de morale qu’il a un peu trop pris l’habitude de déclamer sur les ondes.

C’est le risque, quand on est à ce point fasciné par sa propre image que l’on en sature les médias (et les spectateurs), ceux qui brillent un peu moins ne vous ratent pas. Yann Moix en subit les effets qu’il aurait pu anticiper en manifestant moins d’autosatisfaction et un peu plus d’humilité.

Ainsi va la dure vie de Saint-Germain-des-Prés !

Mort de Ric Ocasek leader du groupe The Cars

Ric Ocasek, leader-compositeur-auteur-créateur-producteur-chanteur du groupe américain The Cars, peintre et poète à ses heures, est mort ce 15 septembre à un âge estimé à 75 ans. Dans les années 70/80 il a mené ce groupe new-wave qui est devenu une usine à tubes avec un musique dansante, simple, rythmée et agrémentée de petites ritournelles au clavier, un vrai bonheur. Grande bringue dégingandée, toujours affublé de lunettes sombres et de cheveux longs et noirs, il affirmait n’avoir jamais aimé les tournées, il était par contre devenu un producteur apprécié : les machines plutôt que le public. Adieu Ric !

Sally Man au musée du Jeu de Paume

Sally Man (née en 1951) est une photographe américaine née en Virginie dont l’œuvre est hantée par l’Histoire tragique de son pays, de la guerre de sécession à l’esclavage en passant par l’émancipation des populations noires au XXème siècle. L’Etat de Virginie où elle est née fut pionnier de l’indépendance américaine au XVIIIème mais également, plus tard, un Etat confédéré au XIXème, partisan de l’esclavagisme et qui abrita même à Richmond la capitale des Confédérés.

La photographe est partie sur les traces des champs de bataille de la guerre civile en prenant des photos en noir-et-blanc, étranges saisies avec un procédé particulier dit « collodion » donnant un rendu imparfait, très sombre et un peu flou, laissant le spectateur composer lui-même ce qu’il veut voir derrière le tirage.

Une série très émouvante est également consacrée à « Gee-Gee », la nounou noire de la famille, qui a élevé Sally, puis ses enfants, prodiguant à ces deux générations un extraordinaire amour maternel. Ces photos, ainsi qu’une vidéo de commentaires, marquent les ambiguïtés de ces familles américaines pour l’émancipation des populations afro-américaines mais continuant à employer des nounous issues de celles-ci. Sur la vidéo les petites-filles de Gee-Gee racontent à Sally comment leur grand-mère partageait sa vie entre les Man à qui elle vouait un véritable amour, et sa vraie famille. Tout était doublé comme ces deux Noëls qu’elle fêtait pour partager avec ses deux « familles », ou le mariage de sa petite-fille qu’il fallut organiser à 7h du matin car se déroulant le même jour que celui de Sally à midi et que Gee-Gee n’aurait manqué pour rien au monde.

La série sur sa famille est encore plus touchante et lui fut d’ailleurs reprochée tant les corps de ses trois enfants, souvent nus, sont mis en scène. Toutes ces photos sont prises au cœur une nature profonde et foisonnante, en noir-et-blanc pour la plupart, montrant le temps qui passe inexorablement en tuant cette innocence rendue de façon si bouleversante dans ces clichés. La mort est au bout du chemin, une photo de son mari atteint d’une maladie musculaire dégénérative nous le rappelle, son fils Emmet s’est donné la mort récemment pour en finir avec la schizophrénie dont il souffrait (cet évènement n’est pas abordé dans l’exposition), mais la fin n’est qu’évoquée à travers cette profonde méditation dans laquelle nous plonge l’œuvre de cette photographe d’exception.

GIONO Jean, ‘Colline’.

Sortie : 1929, Chez : Le Livre de Poche 590 (1962).

Le premier roman de Giono (1895-1970), dédié à la Provence montagnarde dont il est issu. C’est une histoire de rudes paysans qui vivent à quelques familles dans le hameau ‘les Bastides’ accroché à la colline, loin de tout, Manosque (la ville natale de l’auteur) est à des heures de marche. Et alors que l’un des vieux du hameau est à l’agonie, des phénomènes étranges et négatifs se produisent, dont un incendie qui faillit emporter tout ce petit monde et leur habitat, l’assèchement de la source…

Nous sommes sans doute au début du XXème siècle, époque où les croyances ancestrales se mêlent avec celles de la religion ; traditions, Bible et ignorance forment un redoutable cocktail. Après une lutte à l’arrachée contre les flammes, les hommes décident de s’attaquer à ce qu’ils croient être la source de leurs soucis !

Giono écrit la nature en Provence et ses habitants avec passion et un certain mysticisme. A la lecture de ‘Colline’ on sent l’odeur du thym sous les oliviers, on entend les cailloux rouler sur les chemins sous le pas des bergers et le chuintement de la source qui coule dans la fontaine au centre du hameau. Ses descriptions du vent qui franchit les sommets des montagnes ou des flammes qui ravagent la végétation sont d’une précision stupéfiantes et le lecteur voit littéralement ces évènements entre les lignes. Du très bel art !

Après avoir participé et survécut aux combats les plus terrifiants de la première guerre mondiale, Giono est devenu un pacifiste engagé, conviction qui lui fera prendre des positions et commettre quelques publications pro-Vichy durant la seconde guerre mondiale, certainement plus par haine de la guerre que par soutien à l’idéologie nazie.

Cet épisode regrettable ne l’empêcha pas de poursuivre la brillante carrière d’écrivain débutée avec Colline, jusqu’à sa mort en 1970.

Rattrapage des Cure

Pour ceux, dont le kroniqueur, qui n’étaient pas sur le Festival Rock en Seine hier soir, la radio publique France-Inter retransmet (sans interruption publicitaire abrutissante) le concert de The Cure. L’animatrice de service se croit obligée de faire quelques commentaires inutiles sur certaines intro mais elle n’abuse pas. La setlist est une usine à tubes…

Robert Smith, Simon Gallup, Reeves Gabrel, Roger O’Donnell et Jason Cooper forment The Cure ce soir : le groupe d’une vie !

Setlist : Plainsong/ Pictures of You/ High/ A Night Like This/ Just One Kiss/ Lovesong/ Last Dance/ Burn/ Fascination Street/ Never Enough/ Push/ In Between Days/ Just Like Heaven/ From the Edge of the Deep Green Sea/ Play for Today/ A Forest/ Primary/ Shake Dog Shake/ 39/ Disintegration

Encore : Lullaby/ The Caterpillar/ The Walk/ Friday I’m in Love/ Close to Me/ Why Can’t I Be You?/ Boys Don’t Cry

QUEFFELEC Henri, ‘Frères de la brume’.

Sortie : 1960, Chez : PRESSES POCKET 125/126.

Henri Queffelec (1910-1992), père de Yann (écrivain) et d’Anne (pianiste), a été l’auteur prolifique, d’environ 80 romans, beaucoup inspirés par la Bretagne dont il est l’enfant et la mer dont il est le prince. ‘Frères de la brume’ est l’histoire d’un patron de remorqueur de Boulogne qui vit de l’infortune de mer de bateaux en difficultés dans la Manche. Nous sommes dans les années 60′, avant les grandes marées noires qui ont ravagé les cotes de la région, et le choix de faire appel ou non à une assistance est laissé aux capitaines des navires en difficulté qui font jouer la concurrence entre les remorqueurs, et celle-ci est féroce. Depuis, la règlementation a changé et le libre arbitre laissé aux capitaines a été sérieusement réduit pour préserver.

Nous sommes dans un monde de marins, d’hommes uniquement, les femmes restent au port. Queffelec sait et aime décrire l’aspect rugueux de ces personnages d’aventures. Leurs caractères ombrageux va avec les risques qu’ils prennent et s’accordent si bien avec les ciels lourds et gris de Boulogne en hiver.

Mais c’est encore lorsqu’il écrit sur la mer qu’il est le plus habité. Qu’il s’agisse d’une mer d’huile écrasée sous la brume ou des éléments déchaînés par la tempête, ses mots touchent au cœur. On sent l’admiration et la passion du marin devant la force et la beauté de la nature liquide, et le respect qu’il porte à la mer et à ses marins.

Un très beau livre hommage à ses frères d’Océan !

‘Once upon a time in Hollywood’ de Quentin Tarantino’

Le dernier film de Tarentino est sur les écrans : l’histoire de la descente en pente douce à Los-Angeles d’un acteur (DiCaprio) dans les années 60’ qui voit son succès décliner et se trouve obligé d’accepter des productions de « pacotille » pour pouvoir continuer à maintenir son train de vie. Il est accompagné en permanence de sa « doublure-cascade » (Brad Pitt) qui lui tient lieu de pote de beuverie et de majordome. Plus intéressant, ses voisins de colline sont Roman Polanski (alors en pleine gloire) et sa femme Sharon Tate. Après différentes pérégrinations, Charles Manson et sa bande de hippies ensorcelés viendra semer le trouble dans le quartier mais la fin sera plus heureuse dans le film pour Sharon Tate que dans la vraie vie…

C’est du Tarentino, le final est surprenant et sanguinolant mais l’ensemble manque un peu de l’énergie et de l’humour auxquels le réalisateur nous avait habitués. Un film à voir néanmoins.

RUSSEL Bertrand, ‘Ma conception du monde’.

Sortie : 1960, Chez : idées NRF 17 (1962).

Bertrand Russel (1872-1970) fut un scientifique-philosophe britannique qui marqua la pensée du XXème siècle. Il déploya beaucoup d’énergie pour tenter de vulgariser son savoir et produisit un nombre important d’ouvrages, dont des romans. Il fut couronné du prix Nobel de littérature en 1950. Libre-penseur socialisant il prit des engagements politiques sa vie durant, dont le célèbre « Tribunal Russell » qui visait à organiser une justice contre les crimes de guerre américains au Vietnam. Il a même fait de la prison pour défendre ses idées !

Cet ouvrage est un petit livre d’entretiens dans lequel le philosophe de 90 ans expose sa vision du monde sur les grands thèmes que sont : la religion, la guerre et le pacifisme, le communisme et le capitalisme, la morale, le nationalisme, la bombe atomique, le fanatisme et la tolérance… bref, un résummé des réponses (ou des non-réponses) qu’il apporta aux grandes questions de notre temps.

C’est de la vulgarisation d’une vie de réflexion et une volonté de mettre ses idées à portée de tous. Au crépuscule de sa vie, le vieux philosophe se retourne sur ces concepts qui ont guidé sa vie et sur lesquels il travailla tant. Il y a beaucoup de simplicité et de bon sens dans ses réponses sur les questions de notre temps. L’âge de la sagesse n’a pas entammé l’intensité et l’acuité de sa vision philosophique. Les sujets sont abyssaux et Russell n’hésite pas à nous laisser dans l’incertitude sur certains d’entre eux tout en donnant les clés pour les analyser.

Festival de musique de chambre de Perros-Guirec

Le Quatuor Hermès et Geffroy Couteau (piano) enchantent le festival avec un programme Schubert et Brahms. Le quatuor ouvre le concert avec Schubert (quatuor n°13), Geffroy Couteau joue ensuite les Klavierstücke (op. 76)  de Brahms, puis ils se réunissent sur le quintette pour piano et cordes op. 34 de Brahms. Jeunesse, grâce et talent caractérisent ces musiciens venus bercer l’âme de vacanciers à la recherche d’un peu de spiritualité.

MAUGHAM, Somerset, ‘Amours singulières’.

Sortie : 1931, Chez : LE LIVRE DE POCHE 560 (1961).

Somerset Maugham (1875-1965), écrivain britannique, né et décédé en France, a commis sa vie durant nombre de nouvelles, romans et pièces de théâtre. « Amours singulières » retrace des unions amoureuses condamnées par la bonne société anglaise du début du XXème siècle, et il n’en fallait alors pas beaucoup à cette bourgeoisie guindée pour s’émouvoir.

Maugham lui-même, qui affichait son homosexualité décomplexée, a sans doute du affronter cette réprobation qu’il sait si bien peindre dans ce court recueil de nouvelles. Dans un style élégant et léger il détaille avec délectation les habitudes de cette vieille bourgeoisie britannique engoncée dans ses clubs et ses principes, bouleversée par le moindre écart avec la norme.

Alors lorsque l’épouse parfaite s’envole avec un jeune administrateur des colonies, lorsque l’actrice flamboyante retirée à Rhodes préfère sa liaison avec son chauffeur-mécanicien italien plutôt que les propositions de mariage renouvelées d’un dinosaure de la diplomatie britannique, ou le mari attentionné d’une écrivaine réputée part avec la cuisinière…, ce sont autant de pieds de nez à cette bonne et rigide société qui réjouissent Maugham et ses lecteurs.

Et, toujours dans ces nouvelles de Maugham, l’amour triomphe sur la rigidité sociétale. C’est une bonne nouvelle.

BARRES Maurice, ‘Les Déracinés’.

Sortie : 1897, Chez : Le Livre de Poche 2148 (1967)

Maurice Barrès (1862-1923) fut un écrivain et homme politique français chantre du nationalisme à une époque où celui-ci avait un peu de profondeur. Fervent défenseur du concept de patrie française, son engagement politique le poussa dans quelques dérives intellectuelles qui n’enlevèrent rien à ses qualités d’écrivain flamboyant dont « Les Déracinés » sont une édifiante démonstration.

C’est l’histoire d’une bande d’étudiants nancéens (comme l’auteur), fascinés par leur professeur de philosophie qui leur enseigne les principes de la pensée et les fondements de la République. Après leur Bac, les voici partis à l’assaut de Paris et de la vie. Nous sommes en 1879, l’Alsace et la Moselle sont prussiennes, Napoléon III est en exil et la Troisième République est née sur les ruines de la Commune mais reste fragile.

Nos sept compères découvrent avec frénésie la politique, la révolution, l’influence, les affaires (bonnes ou louches), la presse, les salons et les bas-fonds, l’amour et les trahisons… Bref, ils plongent avec délices dans le chaos de la capitale où tout se passe. Napoléon 1er n’est jamais loin et c’est sur sa tombe que les sept ambitieux vont s’engager dans leurs folies parisiennes. Barrès mêle l’aventure de ces jeunes (où il y a certainement beaucoup de vécu) et les grandes étapes de cette fin de XIXème siècle, dont l’influence de Victor Hugo sur l’élite et le peuple de France, sa mort et ses funérailles (elles aussi nationales).

Deux d’entre eux se lancent dans l’aventure de la direction d’un journal, La Vraie République, qui se terminera plutôt mal, sur l’échafaud, pour l’un d’eux.

Le style de Barrès est d’une incroyable énergie et d’une précision d’orfèvre. Les mots valsent avec les idées, il y a de la grandeur dans ces phrases ciselées. Qu’il est bon de se replonger dans les écrivains classiques, une époque où le maniement des mots relevait d’un art digne de la construction des cathédrales : l’ensemble est monumental et les détails sont fascinants.

LEBON Christine, ‘Survivance et Transmission’.

Sortie : 2019, Chez : academia – L’Harmattan.

Christine Lebon est une psychothérapeute belge qui a mené une recherche approfondie sur le statut des survivants du génocide rwandais de 1994 et leur capacité à transmettre/expliquer l’indicible aux générations suivantes. Basé sur un grand nombre d’interviews de rescapés et de leurs enfants, au Rwanda et en Belgique, dans des demeures comme sur les lieux des massacres (église de Nyamata par exemple) ce travail minutieux mené avec tact nous fait plonger au cœur de l’horreur et de l’incompréhensible.

Bien entendu, à la question « pourquoi ce génocide ? », il n’y a pas de réponse et c’est bien là toute la difficulté qu’affrontent les survivants et leurs descendants. Christine Lebon écoute et tente de qualifier cette inextricable situation dans laquelle se retrouvent les survivants qui désormais cohabitent avec les assassins sur les mêmes collines. Le mélange entre les ethnies Tutsi et Hutu aggrave encore le positionnement des uns et des autres : une survivante qui a eu un enfant avec un hutu ignore le rôle de celui-ci dans le génocide même s’il les a protégés, leur fils reste en pleine confusion, que lui dire ?

A la phrase maintes fois entendue : « les enfants ne savent rien », elle constate que les enfants sentent tout et posent des constats pleins de sens. Comment en serait-il d’ailleurs autrement alors qu’ils sont élevés dans cette atmosphère post-génocide si morbide ? La présence de la chercheuse est d’ailleurs parfois utilisée comme vecteur de la transmission de cette réalité complexe où vivent les survivants et les tueurs dans le même espace, national et villageois.

L’observateur occidental a tendance à « racialiser » son analyse : hutus contre tutsi. L’auteure tente de rationaliser cette haine entre deux parties de la population plutôt opposées par des critères dominants/dominés que par des différences ethniques même si leurs cartes d’identité mentionnaient à l’époque formellement la « race » : Hutu, Tutsi ou Twa (Pygmé) ; la lutte des classes plus que le conflit racial.

A la fin de l’ouvrage, modeste, Christine Lebon constate que « rien ne peut être affirmé sur l’avenir, pas plus d’ailleurs que sur l’origine » mais, pour le futur, sa tendance naturelle serait plutôt de suivre le questionnement agité des gamins plutôt que de s’en tenir au « silence fédérateur » pour aider à la reconstruction psychique et sociale de cette population mêlée. Le plus troublant pour le lecteur est d’en déduire que rien ne permet de penser qu’un tel génocide ne se reproduise pas, ici ou ailleurs.

« Daniel Darc – Pieces of my Life » de Marc Dufaud et Thierry Villeneuve

Un documentaire sur Daniel Darc, l’ange sombre, chanteur et fondateur du groupe français Taxi Girl, phare éphémère de la scène française post punk au début des années 80. Le groupe ne sortit qu’un disque et se rendit célèbre autant par son inspiration poético-morbide que par les frasques de ses membres dont plusieurs sont morts tôt, ravagés par les drogues et des vies sans limite. Darc qui écrivait les textes survécut, un temps, et poursuivit une carrière solo entrecoupée de drames et de fulgurances dont l’excellent disque Crèvecoeur, sorti en 2004 qui relança sa carrière.

Un de ses amis proches l’a filmé tout au long de cette errance, plutôt au cours des dernières années, et monta ensuite ce matériel après la mort de l’artiste en 2013 pour livrer un film émouvant sur les tourments créatifs de cet être pour le moins torturé. Rocker au cœur tendre, il est fasciné par les mots tristes posés sur des notes innocentes. Son modèle toutes catégories est le Velvet Underground. Il est hanté par les poètes maudits et se pense l’un d’eux, et lorsqu’il constate que ses cures de désintoxication assèchent son inspiration il replonge avec conviction dans ses addictions.

Une des dernières séquences le montre sur la scène des Eurokéennes (en 2008 ?) chantant… Sad Song de Lou Reed devant une assemblée parsemée. C’est le résumé tragique de la vie de Darc, né Rozum (famille juive originaire de Russie et de Lituanie) dont la grand-mère mourut à Auschwitz, la mère vécut une histoire d’amour avec un officier de la Wehrmacht durant l’occupation et qui se convertit à la religion protestante pour tenter, en vain, de vaincre ses démons !