Aisance et agilité, impressionnante maîtrise de la pluie de notes chopiniennes, l’artiste éblouit les spectateurs. Pas plus gênée que ça par la chaleur étouffante qui écrase le Parc, habillée d’une robe crème que met en valeur le noir réfléchissant du piano à queue, elle est totalement concentrée sur son interprétation et absolument pas troublée par les cris des enfants et des corbeaux, pas plus que par un petit gamin que sa mère laisse gambader sur la scène en le rattrapant lorsqu’il se rapproche trop de l’instrument brillant. Seule concession climatique, elle s’est munie d’un petit chiffon avec lequel elle essuie ses mains et le clavier de temps à autres, et d’une bouteille d’eau à ses pieds à laquelle elle ne touchera pas du concert.

En prologue de chaque pièce, elle passe de longues secondes, immobile face à ses touches d’ivoire, perdue dans des pensées que l’on aimerait bien deviner. Se remémore-t-elle la partition ou entre-t-elle en communication avec l’esprit de Chopin pour lui demander sa bienveillance alors qu’elle va se lancer à l’assaut de partitions si riches et sans doute complexes à jouer ? On ne sait, elle est en tout cas inspirée et virtuose. Bien entendu tous ces artistes jouent du Chopin 1h15 durant sans partition. Au-delà même de leur virtuosité, fruit d’années de travail et d’un talent certain, on se demande simplement comment ils arrivent à mémoriser de telles partitions… Et lorsque retentit la dernière note du morceau, Zuzanna se détend soudain en affichant un grand sourire avant de saluer le public qui la cerne des quatre côtés du kiosque.

Des générations de pianistes géniaux nous ont enchantés en jouant les mélodies de Chopin (1810-1849), d’autres vont suivre. A seulement 17 ans, Zuzanna Krystian-Browalska amorce une nouvelle génération d’interprètes. Grâce à eux nous savons maintenant que le compositeur polonais (enterré au Père Lachaise à Paris) est éternel.

Programme

• Nocturne en do mineur, op. 48 n°1
• Grande valse brillante en mi bémol majeur, op. 18
• Valse en la bémol majeur, op. 34 n°1
• Scherzo n°2 en si bémol mineur, op. 31
• Scherzo n°3 en do dièse mineur, op. 39
• Quatre mazurkas, op. 30
  • N°1 en do mineur
  • N°2 en si mineur
  • N°3 en ré bémol majeur
  • N°4 en do dièse mineur
• Andate spianato et Grande polonaise brillante, op. 32
• 1 « bis »

Eric-Emmanuel Schmitt illustre le lien père-fils en revenant sur la vie et les exploits de Wolfgang Amadeus Mozart (1756-1791), fils de Léopold, lui aussi compositeur et musicien. Les relations parents-enfants peuvent déjà être naturellement troublées, elles sont d’autant plus complexes quand la création artistique interfère.

Le petit Mozart se révèle rapidement un incroyable génie dont la virtuosité au violon et au piano, puis la qualité de ses compositions, vont rapidement surpasser celles de son père. Celui-ci a un peu de mal à le laisser s’envoler vers la gloire. L’amour paternel sait mettre de côté la jalousie devant le talent du fils, mais pas complètement la frustration d’être un peu oublié par Wolfgang qui mène sa carrière, avec des hauts et des bas. Mozart aime toujours son père, bien sûr, mais les journées n’ont que 24 heures et, à l’époque, il n’est pas si facile d’écrire « La Flute enchantée » et de courir en même temps de Vienne à Salzburg pour prendre des nouvelles de sa famille… Mais l’amour filial est plus fort que tout, les Mozart restent unis malgré les épreuves, et réunis toujours par la musique.

Schmitt raconte avec vivacité cette histoire d’amour et de musique. On retrouve le personnage d’Amadeus découvert dans le film éponyme de Milos Forman (1984), espiègle et déluré, mais surtout un immense compositeur dont la vie entière fut inspirée par la musique, jusque dans ses derniers instants où il composait encore son Requiem quil laissa inachevé. On peut être un géant, l’amour (ou l’absence) de ses parents dicte forcément une partie de ce qu’on devient. Mozart a perdu sa mère lors de leur séjour à Paris alors qu’il avait 22 ans. Son père est resté son seul guide, souvent contesté mais toujours adoré.

Il fait chaud sur Paris ce dimanche. Les spectateurs habituellement assis sur la pente de la petite colline au-dessus du kiosque, en plein soleil, ont migré vers l’ombre des platanes situés au pied de celle-ci. Comme chaque dimanche, une ambulance de la sécurité civile et son équipage veillent au grain…

A presque 30 ans, Diana est multirécompensée par différents concours internationaux, dont un premier prix au « Samson François International Piano Competition » en 2025, l’hommage de la jeune interprète à son grand ancien ! Elle a étudié notamment à Ecole Normale de Musique Alfred Cortot à Paris ainsi qu’au Royal College of Music à Londres.

Elle ne semble pas perturbée par la chaleur parisienne, ses doigts courent sur le clavier et délivre avec bonheur l’enchantement de la musique de Chopin pour piano seul. Scherzos et Barcarolle nous plongent dans l’émotion intense inspirée par de ce compositeur de génie, hélas mort de la tuberculose, à Paris, à seulement 39 ans.

D’une santé fragile et sujet à la dépression tout au long de sa courte vie, ces maladies n’ont pas entamé sa créativité même si elles ont certainement influencé les couleurs de sa musique. Il fut un prince du romantisme et les jeunes interprètes virtuoses qui défilent au jardin en sont les troubadours inspirés.

Programme

• Scherzo n°1 en si mineur, op. 20
• Scherzo n°2 en si bémol mineur, op. 31
• Scherzo n°3 en do dièse mineur, op. 39
• Scherzo n°4 en mi majeur, op. 54
• Trois mazurkas, op. 59
  • N°1 en la mineur
  • N°2 en la bémol majeur
  • N°3 en fa dièse mineur
• Barcarolle en fa dièse majeur, op. 60
• Polonaise-fantaisie en la bémol majeur, op. 61
• 3 « bis »

Cette messe célèbre le culte catholique alors que Bach était un luthérien convaincu, c’est l’un des mystères qui l’entourent. Elle dure deux heures et nécessite un orchestre complet ce qui la rend plutôt impropre à la célébration d’un office. Après la mort de son père, le fils de Bach, Carl Philippe Emmanuel, coordonna la consolidation des différents éléments composant la partition finale. Elle ne fut créée dans son intégralité qu’en 1834, plus de 80 ans après la mort de son auteur.

L’œuvre interprétée avec talent ce soir est majestueuse, un peu emphatique mais elle a été écrite ainsi. De Bach on préfère la simplicité rigoureuse, parfois mathématique, des pièces pour piano seul (clavecin en fait, mais jouées aujourd’hui sur des pianos modernes), ou pour violoncelle, aux œuvres liturgiques. Les suites pour violoncelle, les variations Goldberg, les partitas, les suites françaises pour piano sont un miracle de perfection dans la pureté. L’émotion vient de l’extrême dépouillement de ces compositions que l’on ne retrouve bien sûr pas dans la Messe en si, écrite pour manifester avec éclat la dévotion des hommes envers leur créateur.

Ce soir, au terme de cette messe un peu interminable, le spectateur reste subjugué par la diversité et la créativité de Bach qui a consacré une vie entière à la composition d’œuvres exceptionnelles et reste le Maître incontesté de la musique classique occidentale.

L’église Saint-Pierre de Chaillot, en plein cœur du XVIe arrondissement parisien, entre l’Etoile et le Trocadéro, construite en XVIIe siècle, renforcée au XVIIIe, agrandie au XIXe, intégralement reconstruite et inaugurée en 1938, offre le cadre grandiose qui s’accorde à cette messe de Bach. L’acoustique de ses volumes importants ne semble pas très satisfaisante pour les choristes. Qu’importe, les spectateurs, manifestement voisins de XVIe, ne comptent pas leurs applaudissements lorsque résonnent les derniers échos du Dona nobis pacem [Donne nous la paix].

Les interprètes

Véronique Bergen, philosophe-essayiste, se penche sur « Horses », le disque emblématique de Patti Smith et du rock novateur, à mi-chemin entre punk et alternatif, sorti en 1975. Patti alors âgée de 29 ans erre dans New York, entre squats improbables et le Chelsea Hotel. Elle baigne dans le climat de contreculture explosive que cette ville déglinguée inspire. Elle s’essaye au dessin, à la photographie, à la peinture et, surtout à l’écriture poétique. Elle rencontre Jimi Hendrix, Janis Joplin, Sam Shepard, Robert Mapplethorpe, les poètes de la beat generation… Bref, elle vibrionne dans l’ambiance urbaine, dévastatrice et foisonnante de New York où a éclos l’art underground.

Eprise de la poésie française du XIXe siècle, et tout particulièrement de Rimbaud, Smith va utiliser le rock comme vecteur de sa vision poétique du monde. Avec les huit plages de « Horses » elle va créer l’œuvre fondatrice du rock du dernier quart du XXe siècle.

Véronique Bergen partage sa vision de l’âme de ce disque. Elle en explique les influences musicales, littéraires et poétiques et passe en revue chaque chanson, les reprises comme les originaux, en expliquant leur atmosphère, leurs références (bibliques ou poétiques), l’état d’esprit dans lequel elles ont été créées, les collaborations musicales auxquelles elles ont donné lieu et même les tonalités et suites d’accords utilisées. Passionnant !

L’album Horses est construit comme un vol d’oiseau, comme un trip spatial, mental. D’une plage à l’autre, l’oiseau ouvre ses ailes, prend son envol, avec des allers-retours dans l’amplitude, flux et reflux « sac » et ressac de la marée. Son voyage converge vers l’apothéose, le soleil noir de « Land ». Patti Smith est une Icare qui, n’ayant pas besoin d’une machine volante, d’ailes mécaniques pour planer, ne se fracassera pas dans la mer (dernière partie de « Land ») lorsque, s’approchant trop près de l’astre, la cire des ailes aura fondu.

Marek Szlezer inaugure l’édition 2026 avec brio. Il faut dire que l’artiste a été lauréat de nombre de concours, dont le concours international de piano de Rome qu’il emportât à l’âge de 12 ans. On ne savait même pas qu’il était possible de concourir aussi jeune. Autant dire que le garçon est un virtuose, il s’exprime sur un piano Yamaha étincelant qui reflète le jeu de ses mains dans les rayons du soleil d’un dimanche sans histoire.

La musique pour piano seul écrite par Chopin, compositeur exceptionnel et lui-même pianiste hors-pair, est d’une diversité sans limite, le concert ce soir nous en donne un brillant aperçu. Il y a du Chopin enthousiaste et léger (Fantaisie et Ballade), tragique (la Sonate) et triste (les Nocturnes).

Quel bonheur de se laisser emporter par ce déluge de notes qui charment notre ouïe et notre cœur dans un environnement printanier et champêtre. Merci Chopin, merci Marek Szlezer qui n’arrive plus à partir et gratifie un public ravi de 3 « bis » !

Programme

• Polonaise en la majeur, op.40 n°1
• Fantaisie en fa mineur, op. 49
• Ballade n°3 en la bémol majeur, op. 47
• Deux nocturnes, op. 27
  • N°1 en do dièse mineur
  • N°2 en ré bémol majeur
• Sonate pour piano n°2 en si bémol mineur, op. 35

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Rossini habitait à Paris pour cette retraite, à quelques pas de la place Saint-Augustin où il est joué aujourd’hui, et disposait aussi d’une résidence secondaire à Passy où il composa cette messe. Il recevait dans son salon chaque semaine et a composé plus de 150 pièces de musique de chambre, pièces pour piano et chansons, destinées à être jouées lors de ces mondanités. Il les appellaient ses « péchés de vieillesse ». Grand amateur de gastronomie, il a son rond de serviettes dans toutes les grandes brasseries parisiennes l’un des chefs du moment aurait créé, pour lui dédier, la recette du Tournedos Rossini.

Un fois cette œuvre terminée il adressa une boutade à son Seigneur :

Bon Dieu. La voilà terminée cette pauvre petite messe. Est-ce bien de la musique sacrée que je viens de faire ou de la sacrée musique ? J’étais né pour l’opera buffa, tu le sais bien ! Peu de science, un peu de cœur, tout est là. Sois donc béni et accorde-moi le Paradis.

La chanteuse mezzo-soprano est remarquable ce soir et ses interprétations du Gloria (en duo avec la soprano) et de l’Agnus Dei sont bouleversantes. L’accordéoniste est également de grand talent, il ouvre la messe avec une introduction plutôt contemporaine qui n’est pas jouée dans la version habituelle de cette messe qui débute le plus souvent directement par le piano. On imagine qu’elle est bien sur la partition originale mais qu’elle rebute ses confrères accordéonistes ?

Les interprètes

Un extrait du très beau duo soprano-mezzo de la Petite messe dirigée en 2001 par Lorin Maazel, gravée sur un CD sorti en 2001.

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C’est l’histoire d’un disque fondateur du rock américain, édité en 1977 alors que le punk explose au Royaume-Uni. Quatre américains admirateurs des poètes français « maudits » du XIXe siècle, Rimbaud, Verlaine, Baudelaire vont créer un groupe majeur et un style remarquable du rock de la contre-culture mondiale. Le leader-fondateur du groupe, Thomas Miller, prend le nom de scène de Verlaine en hommage à Paul. Le premier bassiste, Richard Meyers, choisit quant à lui celui de Hell en référence à « Une saison en enfer » de Rimbaud. Tous deux écrivent des poèmes et adoptent la musique comme vecteur de leur poésie. Ils se trouvent qu’ils sont également d’excellents et très novateurs instrumentistes. Verlaine et son compère guitariste Richard Llyod créent un genre complexe et singulier de jeu de guitares qui s’entremêlent en déroulant des arpèges obsédantes sur lesquelles se pose la voix aiguë de Tom.

Un peu comme les disques du Velvel Underground, « Marquee Moon » rencontre un grand succès d’estime dans le petit monde musical du New York underground où se croisent Blondie, les Talking Heads, Patti Smith, les New York Dolls, Andy Warhol…, mais n’explose pas vraiment au niveau commercial. Il faudra encore quelques années pour qu’il devienne l’une des œuvres de référence du rock américain et même mondial.

Les paroles de Tom Verlaine sont souvent mystérieuses. Il demande lui-même qu’on ne leur cherche pas forcément une signification rationnelle mais évoque plutôt la traduction de sentiments diffus, une déambulation poétique de leur temps. L’ensemble mots et musique est imprégné de l’atmosphère urbaine, et souvent délétère, qui règne dans la ville de New York à la fin des années 1970 : bouillonnante, toxique et tellement créatrice. On est partagés entre la noirceur du monde présenté par ces auteurs-compositeurs et la lumière apportée par cette musique lunaire.

Time may freeze,
A world could cry.
All this night running loud
I hear the whispers I hear the shouts.
And tho they never cry for help…

Xavier Martin raconte de façon intelligente et très documentée la grande histoire de ce disque et revient sur quelques petites anecdotes que tout le monde connait mais que les admirateurs de cette période musicale ont toujours plaisir à relire : l’amour que Verlaine a porté à Patti Smith qui s’est éloignée de lui pour vivre une aventure avec le bassiste du groupe, les débuts du CBGB’s où se produisirent tous les créateurs du rock underground américain, les réglages des guitares et des amplis, les relations avec les producteurs (dont Brian Eno), les maisons de disques, la photo de couverture du disque issue d’une photocopie ratée, bref, tout ce monde fascinant du rock new-yorkais des années 1970-1980 qui a engendré ces géants.

La petite maison d’édition densité DISCOGONIE qui publie ce livre consacre un ouvrage à un disque. On trouve dans la liste : Nebraska (Bruce Springsteen), L.A. Woman (The Doors), The Idiot (Iggy Pop), Closer (Joy Division), Horses (Patti Smith), Violator (Depeche Mode), et bien d’autres. Une jolie collection à cultiver.

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• Television – 2016/04/02 – Paris la Philharmonie
• Television – 2004/06/11 – Paris Le Bataclan

L’arrivée d’un manager fait pencher le pouvoir au sein du groupe en faveur du duo Jagger/Richards dont la facilité d’écriture et de composition isole un peu Jones qui se replie sur lui-même. Très bel homme, il multiplie les conquêtes féminines (cinq jeunes filles mises successivement enceintes avant d’être délaissées avec leurs enfants) puis s’attarde avec la redoutable et très séduisante Anita Pallenberg qui va l’accompagner dans ses addictions mortifères avant de passer dans les bras de Keith Richards. Devenu ingérable, il est « licencié » du groupe. Il est retrouvé mort dans sa piscine deux mois plus tard en 1969, à 27 ans. Un émouvant concert hommage des Rolling Stones est organisé à Hyde Park dont on voit quelques images, notamment celles de Jagger habillé uniformément en blanc se déhanchant devant son micro et une foule immense et émue au souvenir de cette étoile filante.

Le documentaire donne la parole à ses parents, psychorigides, ses fiancées, amoureuses, ses compagnons musiciens stoniens, admiratifs de ses talents. Un passage excitant le montre jouer avec Jimi Hendrix, d’autres insistent sur l’hystérie déclenchée par le groupe, et tout particulièrement par Brian, l’ange guitariste blondinet qui fait chavirer les cœurs et assite à des gigs de Muddy Waters, son héros. Une photo le montre avec sa chienne épagneule de cinq ans à qui il a fait manger un gâteau au LSD et dont l’une de ses ex explique que l’animal s’est réveillé en ayant pris 20 ans d’un coup.

« Brian Jones et les Rolling Stones », c’est l’histoire triste d’un grand musicien qui s’est laissé déborder par ses démons plutôt que de suivre son immense talent. Il a renoncé de ce fait à la vie et une destinée au cœur du « plus grand groupe de rock du monde » qui, depuis plus de cinquante ans, accumule les succès, guidé par le duo aujourd’hui octogénaire Jagger/Richards, et qui… sort un nouveau disque-studio dans un mois.

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Anita Pallenberg, repose en paix !

Deux pièces de Mendelssohn et Bruckner sont jouées, avant une rapsodie composée par Maxence Grimbert-Barré, premier alto de l’orchestre à qui le Maestro laisse la parole pour la présenter. Ecrite et créée il y a sept ans au moment de la mort de son père et de la naissance de sa fille, cette rapsodie est dédiée à cette dernière qui assiste dans la salle pour la première fois à son interprétation. L’œuvre moderne est d’une écoute agréable, les chœurs sont sans paroles, et ces chants sans mots laissent l’esprit des spectateurs divaguer au gré des harmonies des cordes et des voix.

Le Requiem est joué en deuxième partie et nous emmène sur sa voie majestueuse. Curieusement il sort un peu du mode tragique habituellement propre à ce genre, la musique est légère, parfois presque guillerette, profondément romantique comme l’œuvre de l’immense compositeur allemand. Les textes, traduits dans le programme, nous ramènent à la réalité :

Bienheureux sont ceux qui supportent la souffrance,
car ils seront consolés
Ceux qui sèment dans les larmes, moissonneront dans la souffrance.
Ils s’en vont pleurant en portant les précieuses semences,
et reviennent avec joie en rapportant leurs gerbes.
…
Seigneur, enseigne-moi que je dois avoir une fin, et que ma vie a un terme et que je dois la quitter.

Le Brahms est un enchantement, le son vibrionnant de la clarinette donne un sentiment guilleret à l’ensemble, une allure printanière tout à fait de saison. La découverte de Golijov est plus complexe. La famille du compositeur, de culture juive, a émigré en Argentine depuis l’Ukraine et la Roumanie. Osvaldo a, lui, ensuite émigré en Israël en 1983. La pièce jouée ce soir est intitulée « The dreams and prayers of Isaac the blind », en référence au rabbin français Isaac (1160-1235) qui serait l’un des fondateurs à l’origine de la Kabbale, un concept métaphysique du judaïsme, assez obscur pour les non spécialistes. La musique jouée par les cordes est sombre, la clarinette l’enjolive en y apportant une légèreté et une fantaisie que l’on pourrait croire venue du jazz. La fusion de l’ensemble, résolument moderne, titille un peu l’oreille des seniors qui se réjouissent de constater une nouvelle fois que la musique est vivante, toujours en recherche et en évolution, au gré des générations de compositeurs qui transforment en notes leur environnement et les évènements qui le traversent.

Les rêves d’Isaac sont suivis de morceaux extraits du folklore musical juif ashkénaze sur lequel la clarinette fait des merveilles. En l’écoutant on se croit au cœur d’un shttl d’Europe de l’est où dansent les paysans en habits traditionnels et sabots de bois pour un mariage.

Le dernier rappel est bien plus tragique avec Wiegala, une pièce écrite par Ilse Weber, infirmière, juive, déportée au camp de concentration de Theresienstadt où elle s’occupait des enfants en leur écrivant des comtes et des mélodies. Les quatre musiciens du quatuor pincent leurs cordes à la main pendant que le clarinettiste déploie une lente mélopée de son instrument à vent. Il n’y a plus de folklore ici mais le vent triste et glacé de la barbarie qui soufflait sur Auschwitz où Ilse Weber a été exterminée en 1944.

Elle est magnifiquement interprétée ce soir, dans sa version piano et accordéon, par le Chœur & Orchestre Symphonique de Paris dans l’église Saint-Philippe du Roule construite au XVIIIe siècle. La musique si pure de Rossini s’élève dans la vaste voute peinte de l’église, cernée de colonnes ioniques, l’alliance de la mystique et de l’esthétique.

Seul le grondement régulier du métro souterrain vient légèrement troubler cette harmonie.

Les interprètes

Un extrait du très beau duo soprano-mezzo de la Petite messe dirigée en 2001 par Lorin Maazel, gravée sur un CD sorti en 2001.

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Il a investi son poste ce 1er janvier lors d’une cérémonie organisée dans une station de métro désaffectée, puis a prêté serment, la main sur le Coran, sur les marches de l’hôtel de ville où il a fait jouer les Talking Heads sur la sono avant d’accueillir sur scène des musiciens divers. Pour les plus jeunes, Talking Heads est un groupe américain des années 1970-1980, phare de la new-wave, mené et inspiré par l’inventif guitariste-chanteur David Byrne qui continue à mener une brillante carrière solo et à se produire sur scène.

Bref, on peut être un maire « de gauche » américain et avoir bon goût musical !

Benjamin Fogel, né en 1981, est un écrivain auteur de nombreux ouvrages sur la pop-culture. « Le renoncement de Howard Devoto » est une biographie fictionnelle sur Howard Trafford, de son vrai nom, né en 1952 à Manchester dans une famille bourgeoise moyenne. Gamin peu intéressé par les études mais bien plus par la montée en puissance du mouvement punk au Royaume-Uni, il écoute les Stooges et Brian Eno, admire David Bowie, et convainc son pote Pete Shelley d’aller assister à un concert des Sex Pistols à Londres en 1976. C’est une nouvelle vie qui commence pour eux qui savent à peine jouer quelques notes, lui sur un clavier, Pete sur une guitare.

Ensemble ils créent le groupe Buzzcoks qui deviendra l’un des phares du mouvement punk. Howard est au chant et compose les chansons avec son compère. Garçon introverti et épris d’absolu, pas de compromission avec l’industrie de la musique, pas de promotion de leurs œuvres, il quitte les Buzzcoks au bout d’un an alors le succès s’annonce comme éclatant. Il le restera d’ailleurs longtemps puisque le groupe tournait encore dans les années 2010 avant le décès de Shelley en 2018.

Devoto fonde un nouveau groupe : Magazine, avec d’autres musiciens dont notamment John McGeoch, guitariste d’exception et Dave Formula, claviériste. Ensemble ils inaugurent une sorte d’avant-garde punk. McGeoch quittera Magazine, un peu lassé du manque de succès commercial, pour rejoindre Siouxsie and the Banshees menée par l’icône punk Siouxsie Sioux, puis de rejoindre Public Image Ltd, le groupe fondé par Johnny Rotten après la dissolution des Sex Pistols. Il est mort en 2004 à 48 ans.

Après quatre albums plutôt réussis, Howard Devoto, toujours effrayé par le succès et à la recherche d’autre chose, dissout Magazine, se lance dans quelques expériences musicales solo puis devient… archiviste dans une agence de presse durant 20 ans. Le temps d’une courte reformation en 2009, Magazine publie ce qui sera sans doute leur dernier album : No Thyself.

Fogel se penche avec intérêt sur le curieux parcours de Devoto, passé du statut de rock-star à celui d’archiviste, du monde punk un peu dévasté à la vie tranquille de salarié dans une agence de presse. Sa quête d’absolu ne lui a pas permis de poursuivre la voie de la musique de façon durable mais au moins a-t-il créé quelques albums de légende dont des groupes célèbres ont revendiqué l’influence, de Radiohead à Simple Minds en passant par Johnny Marr (guitariste compositeur au sein de The Smiths) ou Jarvis Cocker (Pulp). Un personnage créatif, novateur et égaré, comme seul le Royaume-Uni sait en créer dans le monde du rock.

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• Magazine – 1979/05/13 – Paris le Palace
• Buzzcoks & Frustration – 2013/10/24 – Paris Cité de la Musique

Le célèbre pianiste russe Eugeny Kissin, né en 1971, vient ensuite interpréter le concerto en fa dièse mineur, op. 20, d’Alexandre Scriabine (1871-1915), toujours sous la baguette du chef polonais. Créé en 1897 (l’année du décès de Brahms) ce concerto se révèle assez classique dans son romantisme, le soliste est glorieux. A douze ans il interprétait déjà les deux concertos pour piano de Chopin… On a parfois l’impression que le piano est un peu noyé sous l’orchestre, sans vraiment identifier si c’est une question de placement de certains spectateurs ou alors prévu dans la composition ?

En deuxième partie l’orchestre joue la Symphonie n°6 en si mineur, op. 74 de Tchaïkovski, crée en 1893. Baptisé « Symphonie Pathétique » on comprend mieux cette appellation lorsque le chef reste un long moment silencieux après avoir replié sa baguette à l’issue du quatrième et dernier mouvement, l’Adagio lamentoso, dont l’inspiration tragique serre les cœurs. Tchaïkovski est mort quelques jours après la création de cette œuvre qui fut son chant du cygne. On a parlé du choléra ou d’un empoisonnement pour expliquer sa mort à seulement 53 ans. On a aussi évoqué un suicide pour avoir dévoyé un jeune officier.

Cette musique russe, Scriabine et Tchaïkovsy, comme Kissin, sont russes, dirigée par un Polonais, démontrent quand même l’attachement culturel de la Russie à l’Occident, au moins à cette époque. Malgré Chostakovitch, les événements géopolitiques récents révèlent que ce pays est en train de changer de camp. C’est aussi pathétique que la symphonie éponyme de Tchaïkovski. Après de tels apports à la musique, c’est d’une grande tristesse, mais ne n’est pas avec des concertos que la planète est gouvernée ! Et la musique est loin d’être universelle, hélas, pas plus que les droits de l’homme.

Il explique avoir été 1^er grand prix du concours Marguerite Long en 1949, « par hasard » ajoute-t-il, sans vraiment l’avoir voulu. Quand on connait le niveau d’exigence de ce concours on a du mal à imaginer qu’il l’ait emporté en passant. Mais du coup il s’installe en France dont il fera son pays de résidence principale. Il est enterré dans la région occitane, à côté de Déodat de Séverac, l’un des compositeurs français qu’il a défendu toute sa vie, avec Satie, Ravel, Debussy, Chabrier… Il dit : « Jusqu’à Webern, tous les grands du passé sont des Dieux » ou « Je crois qu’il n’y a pas de la mauvaise musique, il y a de la musique inutile » mais refuse d’en désigner des exemples, « par discrétion ».

Samson François parlait de lui comme « la grâce ». C’est d’ailleurs Ciccolini qui joua pour un concert hommage en 1972 au Festival de Nohant après la mort de Samson en 1970. Il a rêvé de Beethoven dans sa jeunesse mais a toujours refusé d’enregistrer ses œuvres à l’époque car ne s’estimant pas assez mûr pour affronter ce géant, « avant d’avoir vécu assez longtemps ». Et s’il les avait jouées quand même, eh bien il lui aurait fallu les réenregistrer plus tard, à l’âge de la maturité.

Il forma un duo musical légendaire avec la soprano Elisabeth Schwarzkopf (1915-2006) dont quelques subsistent quelques enregistrements. Il n’aime pas Bach au piano. Il est fasciné par le compositeur Janáček (1854-1928) qui est mort fou en se sachant fou et qui écrit des compositions qui sont des pages pleines de « désagrégation de la pensée musicale », un territoire qui n’avait été touché par personne, pas même Schuman dont la folie était « humaine ».

Sur une île déserte il emporterait le 4e concerto de Beethoven, le pianiste Michelangeli, Tristan & Iseult et Parsifal.

Il n’a jamais écrit ses mémoires et n’en écrira jamais « il suffit d’écouter mes disques ; on ne parle pas de musique, on en fait ». On ne sait rien de sa vie privée sinon qu’il préfère la compagnie des chats à celle des hommes. Artiste solitaire, un peu misanthrope, il est de ces géants qui continuent d’élever leurs auditoires en interprétant la musique des Dieux.

La première œuvre, Arising Dances, est contemporaine, composée par Thierry Escaich, par ailleurs organiste du grand-orgue de Notre-Dame de Paris. Comme souvent, la programmation débute par des incursions dans le monde de la musique classique de notre temps. Ce peut être parfois un peu délicat pour l’oreille mais ce soir le dynamisme de l’orchestre pour cette modernité nous convainc. M. Escaich est présent dans la salle et partage le succès avec l’orchestre.

Le concerto en sol majeur de Maurice Ravel (1875-1937) est ensuite interprété avec la pianiste Alice Sara Ott. Allemande née 1988 d’une mère japonaise, elle apparaît ce soir vêtue d’une longue jupe jaune plissée de laquelle émergent ses pieds nus aux ongles rouges, comme ceux de ses mains qui courent sur le clavier. On connait cette œuvre de génie en trois mouvements, créée en 1932. L’histoire raconte que Maurice Ravel voulait la jouer lui-même pour cette création mais que l’exigence de virtuosité demandée par son compositeur… Ravel Maurice surpassait ses propres talents de pianiste. Il la fit donc interpréter par Marguerite Long à qui le concerto est d’ailleurs dédié.

Près de 90 ans plus tard, le concerto continue de se révéler une œuvre résolument moderne. Il a été, et est toujours, joué par les plus grands. L’interprétation ce soir d’Alice Sara Ott est sublime : enthousiaste sur l’Allegramente, redoutable de vivacité sur le Presto, et bouleversante sur l’Adagio assai, encadré par les deux premiers.

Cet Adagio, commencé par le piano seul se développe avec un duo avec la flûte, puis le hautbois, et la pianiste avant que l’orchestre ne reprenne en sourdine pour murmurer le fond sonore de cette longue phrase du piano qui monte et descend sur le clavier en même temps que les émotions dans nos âmes. La délicatesse de cette composition si mélancolique est fascinante et l’on se prend à rêver que, le moment venu, elle soit jouée pour accompagner notre dernier souffle. Alice l’interprète avec toute sa sensibilité et son talent, la salle est suspendue à son jeu. Cet Adagio est le chef d’œuvre dans le chef d’œuvre.

La pianiste revient pour un « bis » et interprète une Nocturne de John Field, compositeur irlandais contemporain de Beethoven à qui on attribue la paternité du genre « Nocturne » porté ensuite au plus haut par Chopin.

Avec le Concerto pour la main gauche écrit à la même période par Ravel pour un ami pianiste revenu manchot de la 1^e guerre mondiale, le Concerto en sol fut la dernière œuvre écrite par le compositeur qui s’épuisa à la tâche, déjà guetté par la maladie cérébrale incurable qui le condamna au silence les quatre dernières années de sa vie et devait l’emporter en 1937.

Dans un message publié sur les réseaux sociaux, la pianiste Alice Sara Ott a annoncé, il y a quelques temps, qu’elle était atteinte de sclérose en plaques, une maladie diagnostiquée en janvier 2019.

La seconde partie est consacrée à des extraits des suites du ballet Roméo et Juliette de Prokofiev (1891-1953), une musique plus légère, rythmée, entraînante, parfois puissante. On en oublie complètement Shakespeare. Le programme nous apprend que la création de l’œuvre en 1936 rencontra un grand succès en URSS, y compris auprès du régime soviétique sui voyait dans les deux amoureux un symbole de liberté, en lutte contre les conventions bourgeoises.

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Jean-Baptiste est un baryton-basse, à la belle voix puissante. Il s’est d’abord initié au piano puis passé à l’accordéon dont il joue pour s’accompagner. Il a été chanteur soliste de l’opéra de Leipzig entre 2017 et 2022 avant de devenir musicien itinérant. Pouria Kiani est arrivé d’Iran en Allemagne en 2016. Violoniste et altiste il voulait se perfectionner dans la musique baroque qui n’était pas enseignée dans son pays. Il est aussi luthier et a fabriqué lui-même son alto dans son atelier en Allemagne, un alto à… cinq cordes.

Le fil conducteur du programme présenté ce soir est une œuvre du compositeur baroque François Francoeur (1698-1787) dont les différents mouvements en sol mineur vont ponctuer la soirée et seront interposés entre des œuvres lyriques de Mahler, de Schubert et de Britten dans la même tonalité. Jean-Baptiste introduit les lieders pour les présenter au public. Ce sont souvent des poèmes mis en musique par ces grands compositeurs et magnifiquement chantés ce soir.

Ceux de Mahler sont basés sur « Des Knaben Wunderhorn », un recueil de textes traditionnels allemands : des histoires de jeunes gens courant joyeusement à travers une forêt verdoyante ou chantant un adieu à leur bien-aimé.

On est particulièrement touché par un lied de Schubert sur un poème de Heinrich Heine (Der Doppelgänger), composé alors que le musicien voyait approcher sa fin. Malade, il décède à 31 ans, laissant une œuvre fulgurante et tellement de regrets au sujet des merveilles qu’il aurait pu composer s’il avait vécu plus longtemps. Le tragique de la situation est merveilleusement exprimé par la voix grave de Jean-Baptiste et la lancinance de l’accordéon. Quel bel hommage à Schubert !

Les pièces de Benjamin Britten sont inspirées de musiques traditionnelles de différentes régions d’Angleterre. Leur simplicité les fait tendre à une pureté qui résonne si bien dans la chapelle.

Pouria alterne le violon et l’alto avec talent, posant le son de ses cordes sur celui de l’accordéon. Un duo plein d’originalité tant on est peu habitué à entendre ces deux instruments cohabiter dans un programme classique. Ils ont dû pour ce faire adapter certaines partitions à leur formation instrumentale avec quelques improvisations autour des thèmes originaux.

Beethoven est classique parmi les classiques. Loin de l’impérium de ses concertos et de ses sonates pour piano, la formation quatuor à cordes et les compositions pour ce format sont, disons-le, parfois un peu ennuyeuses. Alors on regarde le coucher de soleil sur la sublime baie de Trestraou qui affiche ses splendeurs en arrière-plan des musiciens.

Et puis vient le Ravel après l’entracte, et on revient vers la modernité subtile et joyeuse du compositeur français merveilleusement interprétée par ces jeunes musiciens de ce quartet qui jouent des instruments des XVI et XVIIe siècle.

Et comme Ravel n’a écrit qu’un seul quatuor à cordes, ils reviennent pour un « bis » consacré à Beethoven.

Programme

• Joaquim Turina (1882-1949), Quatuor à cordes op. 43 « La prière du Torero »
• Ludwig van Beethoven (1770-1827), Quatuor à cordes n°2 en sol majeur op.18 n°2
• Maurice Ravel (1875-1937), Quatuor à cordes en fa majeur op. 35
• « Bis » mouvements de deux quatuors à cordes de Beethoven