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Concert au Café de Montmartre avec Porco Rosso et Locus, une soirée de musique dans une cave parisienne. Des amateurs éclairés, connus sur MySpace, qui s’amusent et nous réjouissent. De la musique française mâtinée de pop/folk. Un samedi soir plein de bonheur.

Les Porco sont en formation de quatre, le guitariste solo alternant sur un clavier. Yann développe une voix agile sous sa casquette. Des paroles parfois sentimentales sur une instrumentation maîtrisée qui n’hésite pas à se lâcher sur des solos rock appuyés. La musique coule naturellement sur une audience conquise.

Locus est un groupe sophistiqué avec un duo rythmique percutant, Xavier un guitariste solo au touché Dire Straits et autre un duo au chant, simple et subtil : Hocine, chant et guitare électro-acoustique, avec Rosa. Ils sont tellement naturels ces deux là qu’on dirait de vieux professionnels. Leurs voix aériennes se superposent avec élégance sur des paroles douces, le live ajoute de l’énergie. L’ensemble est rythmé, harmonieux, simplement émouvant.

Concert au Café de Montmartre avec Porco Rosso et Locus, une soirée de musique dans une cave parisienne. Des amateurs éclairés, connus sur MySpace, qui s’amusent et nous réjouissent. De la musique française mâtinée de pop/folk. Un samedi soir plein de bonheur.

Les Porco sont en formation de quatre, le guitariste solo alternant sur un clavier. Yann développe une voix agile sous sa casquette. Des paroles parfois sentimentales sur une instrumentation maîtrisée qui n’hésite pas à se lâcher sur des solos rock appuyés. La musique coule naturellement sur une audience conquise.

Locus est un groupe sophistiqué avec un duo rythmique percutant, Xavier un guitariste solo au touché Dire Straits et autre un duo au chant, simple et subtil : Hocine, chant et guitare électro-acoustique, avec Rosa. Ils sont tellement naturels ces deux là qu’on dirait de vieux professionnels. Leurs voix aériennes se superposent avec élégance sur des paroles douces, le live ajoute de l’énergie. L’ensemble est rythmé, harmonieux, simplement émouvant.

Lisa Gerrard au Grand Rex ce soir : ex-Dead Can Dance, elle nous a envoutés avec son compère Brendan Perry dans les années 1980/90. Ensemble ils ont créé une atmosphère musicale unique faite de noirceur et d’étranges sonorités en mode mineur.

Lisa poursuit depuis une carrière solo ponctuées de disques et de BO. Le concert parisien est complet depuis longtemps. Les fans d’hier sont venus nombreux pour goûter à nouveau cette ambiance insondable, frémir encore à l’écoute d’une musique venue d’ailleurs, peut-être un peu de son Australie natale où elle se ressource  « J’habite dans le bush, ce qui me permet de m’éloigner du monde, de me connecter à ce que je désire vraiment, l’absolu. Je me considère d’ailleurs comme une Aborigène, parce que je suis née là-bas et que, comme eux, je suis complètement reliée aux vibrations de la terre et à un langage abstrait, façonné par des millions d’années d’humanité. »

La scène majestueuse du Grand Rex est tendue de deux grandes tentures blanches qui dégoulinent sur un fond noir. Elle est accompagnée d’un pianiste et d’un clavier qui posent l’instrument majeur : sa voix, profonde, parfaite et bouleversante, froide comme un vent terrifiant qui dévale les pentes verglacées d’un Himalaya émotionnel. Les paroles n’ont pas d’importance, il y en a peu d’ailleurs, anéanties par le son.

En robes longues, bleue puis blanc crème après l’entracte, elle est grande, blonde aux yeux bleus, statique devant son micro auquel elle s’accroche bizarrement, elle chante les yeux mi-clos, semblant ne pas savoir que faire de son enveloppe corporelle. Elle est comme une espèce de fantôme au-dessus duquel flotte son âme. On est hypnotisés par sa présence intergalactique, envahis par l’émotion sonore qu’elle diffuse. On est habités par cette voix lisse et d’outre-tombe, discrètement accompagnée de nappes de claviers électroniques. Elle nous emmène à travers l’odyssée d’un espace musical, intime et immense. Et entre les chansons, l’artiste envolée redescend sur terre où elle nous retrouve, éclatant de rire devant les applaudissements sans fin de la salle en adoration.

Une soirée pleine de magie qui nous a donné la chair de poule. Lisa  nous a délivré une Voix immense sur des notes glaçantes.

Bryan Ferry au Grand Rex, la salle attitrée de ses séjours parisiens, mais l’étoile aujourd’hui sur scène n’arrive plus à briller aussi fort que celles peintes au plafond du hall, inanimées et toujours resplendissantes. On en éprouve des regrets car l’homme est toujours tellement attachant. Son Dylanesque sorti quelques jours avant le show est intéressant. Trémolo vocal et orchestrations soignées civilisent le coté brut de la voix et des chansons de Bob Dylan.

Après son superbe As Time Goes By, reprises de classiques jazz, Ferry poursuit dans les remakes de la musique qu’il a aimé. Et même de déclarer à Libération : « On m’a suggéré John Lennon -beau répertoire. Neil Young ? Je chanterais bien Lou Reed ; pour reconstituer son Velvet Underground, la touche New York… ». La suite est à venir, Bryan sur Pale Blue Eyes… ça pourrait être fameux !

Le présent est pour Dylan : un groupe imposant avec un pack de trois guitaristes dont l’indéboulonnable Chris Spedding et un nouveau venu, Oliver Thompson, jeune blondinet androgyne fringué comme le pirate des caraïbes et plutôt virtuose. Toute une troupe de musiciens/choristes, sous la direction du maestro pianiste Colin Good, et qui fait un peu tapisserie.

On se demande si le nombre est vraiment nécessaire sinon pour faire illusion à la baisse de régime de Ferry. Eh oui, l’artiste commence à se rapprocher de la ligne rouge. Un peu d’embonpoint, beaucoup de transpiration, lecture de ses textes… Tout ceci est un peu douloureux pour les quinquas assis dans les larges fauteuils en skaï usé du Grand Rex à qui il renvoie l’image de leur propre décrépitude. Alors pour nier cette triste réalité quelques spectateurs se croient obligés d’aller se dandiner dans les allées sur Don’t Stop The Danse. Mais il faut tenir le rythme…

Bon, n’en rajoutons pas trop ! Ferry reste l’éternel séducteur à la voix de velours et lorsqu’il sort son harmonica sur Knockin’ On Heaven’s Door tout le monde fond d’émotion. Et quand démarre l’intro de Watchtower on suit le groupe avec enthousiasme sur cette version appuyée du classique dylanien repris par Hendrix, U2 et tant d’autres.

La comète Ferry a voyagé depuis trois décennies dans un espace musical unique, fait d’énergie désabusée et de douceur revigorante, nous captant dans sa lumineuse attraction. Nous rentrons aujourd’hui dans une zone de turbulences mais faisons confiance à l’élégance innée de Bryan pour négocier au mieux un atterrissage en douceur.

Set list : The ‘In’ Crowd/Kiss And Tell/ Just Like Tom Thumb’s Blues/ Positively 4th Street/ This Island Earth/ The Times They Are A-Changin’/ Knockin’ On Heaven’s Door/ Jealous Guy/ Don’t Stop The Dance/ Love Me Madly Again/ Body And Soul (Instrumental)/ When She Walks In The Room/ Casanova/ Simple Twist Of Fate/ Make You Feel My Love/ Gates Of Eden/ Tokyo Joe/ All Along The Watchtower/ A Hard Rain’s A-Gonna Fall/ Let’s Stick Together/ Love Is The Drug

Le Canada est à Paris, après le rock flamboyant d’Arcade Fire, le rock progressiste de The Musical Box voici venu le temps du jazz avec Molly Jonhson et du cabaret-pop de Lenni Jabour qui fait la première partie de ce concert à l’Européen.

Lenni entre en robe vaporeuse pour s’installer résolument derrière le piano à queue. Elle interprète devant des spectateurs curieux ses douces mélodies aux mots sucrés. Frappant l’ivoire elle fait onduler ses épaules où trône un papillon tatoué qui prend son envol pour semer ses rimes dans nos cœurs attendris. Elle nous invite à cette ballade dans son monde léger, mais grave et envoutant. Chacun la suit dans cette pérégrination intime dans les rues de son âme peuplées de notes, bordées de nostalgie : I ride all night and I’m allright/…/ But it’s green where I go and no one knows me/ I ride – stripclub lights my only guide/ I’m awake more than in a long time.

Molly lui succèdent avec son groupe. Métis black anglophone elle a l’assurance d’une professionnelle de longue expérience, des musiciens tranquillement excellents et même en guest star un accordéoniste français. Sa musique n’est que pure élégance, celle d’un jazz venu du nouveau monde : clair, doux et évident. Parfois mélancolique comme la vie qui passe, souvent joyeuse comme un dimanche dans les bras de l’être aimé : Let the world slip away/ On this almost perfect afternoon/ Can’t  we stay in bed all day/ Just this one day, this golden Sunday with you.

Comme pour transcender le romantisme qui souvent marque ses compositions Molly parle avec profusion entre les morceaux, au milieu de grands éclats de rire, de son engagement dans la lutte contre le sida dans les pays pauvres pour introduire une très belle reprise de Streets of Philadelphia de Springsteen, du désir du Canada de garder le Québec dans la barque, …, mais c’est quand elle chante qu’elle séduit définitivement son audience. Une voix qui vagabonde sur les chemins ordinaires de la vie, mis en musique avec tact et harmonie.

Arcade on Fire

Incroyable concert d’Arcade Fire ce soir à Paris. Un souffle gigantesque a balayé l’Olympia, un énorme enthousiasme a électrisé les 3 000 chanceux spectateurs du premier show français de la tournée Neon Bible.

Après la prestation sympathique des trois jeunes donzelles britanniques de Electrelane, l’entracte n’en finit plus de s’éterniser face à l’amoncellement d’instruments installés sur les différents niveaux de la scène. Les bières circulent dans la foule compacte et surexcitée, les cigarettes s’allument en douce puis les lumières, enfin, s’éteignent. Des bibles électroniques sont reproduites à l’infini sur les écrans et rien ne se passe. Mais la porte d’entrée des spectateurs s’ouvre sur notre joyeuse bande qui se fraye, difficilement, un chemin, portant guitares, violons, archets et porte voix pour s’installer au milieu de la fosse. Et ils entament Wake Up au mégaphone au milieu de spectateurs hallucinés : Somethin’ filled up my heart with nothing’, someone told me not to cry. But now I’m older, my heart’s colder, and I can see that it’s a lie…

Ils rejoignent la scène et le spectacle continue. Une bande de doux cinglés prennent alors le contrôle d’un improbable show, Arcade Fire est à Paris ; provenance : Montréal, Canada ; destination : le sommet infini de notre désir de musique. Black Mirror démarre sous les spots et nous découvrons onze illuminés accrochés à leurs instruments : guitares, cordes, cuivres, micro et mégaphone, même une vielle branchée sur un ampli. Les mecs ont des allures d’émigrants vers la grande Amérique, les filles sont en robettes noires à nœud-nœuds, on les croirait sorties de l’école catho du coin : I walked down to the ocean/ After wawing from a nightmare/ No moon no pale reflection/ Black mirror black mirror.

Black mirror black mirror black mirror… et sa rythmique pesante nous fait plonger du haut d’une falaise pour monter à l’assaut du grand fleuve de tous nos sens. Ce groupe impressionnant nous emmène au plus profond de notre plaisir cérébral, déchaînant un torrent de jouissance ébahie. C’est un bouillonnement d’énergie à coté duquel le barrage des Trois-Gorges relève du siphon de lavabo. On coule dans le ressac des riffs, on pousse fort pour aspirer une nouvelle goulée d’air frais pour replonger en apnée dans une folie rythmique et vocale. Les compositions de Neon Bible nous sont lancées comme des bouées ! Les reprises de Funeral ajoutent à la furie ambiante.

Sur scène c’est un véritable capharnaüm. Les uns courent en drumant tout ce qui leur tombe sous la main, les autres échangent leurs instruments entre les morceaux. Les femmes violonistes tiennent tambourins et archets dans leurs deux mains et chantent dans leurs micros en même temps qu’elles jouent et dansent. Tous sèment le sillon profondément creusé dans le terreau de notre lobe musical.

Win Butler, chanteur-guitariste texan et Régine Chassagne, chanteuse-multi-instrumentistes canadienne, forment le cœur du réacteur Arcade Fire. Le premier a des allures et une voix à la David Byrne. Régine ballade ses airs polissons de long en large sur la scène en mimant une gestuelles saccadée, comme stroboscopée.

Au milieu du show elle nous dévide une impressionnante version rock de Poupée de cire Poupée de son, malaxée à l’aune d’une inspiration torride et urgente. En écoutant ce feu, Gainsbarre a du apprécier, rigoler et allumer une Gauloise au paradis des poètes. Et lorsqu’après avoir joué Ocean of Noise sur l’orgue d’église perché en étage Régine descend pour appuyer au piano les accords obsédants de Rebellion (Lies) le barrage qui arrivait encore un peu à canaliser l’énergie explose brutalement déversant sa fureur sur la fosse de l’Olympia : Everytime you close your eyes. Lies!!!/ Ouhuhuhuh, ouhhuhuhu, ouhhuhuhu… Tout a cédé, les spectateurs balayés tressautent sous l’assaut du flot des notes et des voix, le sol n’est plus que vibration, la foule en syncope ondule mécaniquement, onze musiciens d’anthologie ont tiré la bombe et déclenché le feu nucléaire d’une émotion totale : Everytime you close your eyes. Lieieieieieieies!!!

Les musiciens terminent sur Intervention, aussi épuisés que les spectateurs. La scène est dévastée, les cœurs sont chavirés, les esprits bouleversés. Après le rappel des Neighbourhood #2 et #3 les parisiens refusent de quitter la fosse sans revoir les Arcade. Vingt minutes d’acclamations vaincront nos guerriers qui reviennent, déjà habillés pour sortir, et jouent un inattendu In the Backseat !

Ce soir nous avons eu l’aperçu d’une œuvre collective, oh combien, composée et jouée par un groupe unique et inclassable. Il y a l’inspiration des grands espaces dans cette musique et l’énergie du Nouveau Monde dans ses rythmes et ses décibels, des textes sombres et puissants ; une musique accomplie, permanente, émouvante, riche, novatrice, qui nous colle à leurs auteurs/interprètes comme de la limaille à un aimant. Un vrai bonheur, foisonnant, luxuriant, épuisant, fascinant. C’est l’ouragan Arcade Fire, tout simplement !

Set list => Wake Up, Black Mirror, Keep The Car Running, No Cars Go, Haiti, Poupee de Cire/Poupee de Son [France Gall cover], Black Wave/Bad Vibrations, My Body is a Cage, Neon Bible, The Well And The Lighthouse, Ocean of Noise, Rebellion (Lies), Neighbourhood #1 (Tunnels), Intervention
Encore : Neighbourhood #2 (Laika), Neigbourhood #3 (Power Out) ,
Encore 2 : In the Backseat

Avec Nine Inch Nails c’est un mythe du rock moderne qui s’installe à Paris pour deux soirées. Le public ne s’y est pas trompé qui a sur-réservé les deux shows depuis plusieurs semaines. L’unique membre permanent du groupe est son leader-créateur, Trent Reznor, un junkie-poète de 40 printemps, petite taille-grande énergie, homme d’excès-nature destructrice. Il fait les gros titres des rubriques intellos underground pour sa capacité à créer une musique dévastatrice, à détruire son environnement matériel et sa propre personne. Le label de Reznor s’appelle Nothing Records !

Il est le parangon du rock industriel, une sorte de mixage urbain entre une électronique résolument glaciale et sophistiquée, avec un rock dur et hargneux. La violence qui en résulte est intergalactique et volcanique. Des éruptions solaires qui projettent loin et longtemps leurs scories incandescentes. Le décor est comme il se doit industriel, façon hangar de forge, crépusculaire. De larges lampes métalliques pendent au bout de longs fils, les lumières viennent du fond de la scène, des fumées diffusent tout au long du show faisant apparaître les musiciens en ombres chinoises. On croirait des ouvriers penchés sur le serpent rougeoyant expectoré d’un haut fourneau digne de Zola !

Et l’enfer de la forge c’est la musique délivrée par ce gang américain, ce sont les paroles de ruine composées par Trent, c’est sa voix blanche hurlée dans le micro à en défaillir, c’est un rythme assommoir, des sons dissonants, des silhouettes démoniaques, menés un Reznor souvent en retrait laissant le devant de la scène à son guitariste, inquiétant et virtuose.

Il n’y a pas de fil conducteur de cette musique si étrange mais tout de même une évidence, celle d’un monde post nucléaire qui survit dans la jungle urbaine dévastée. L’atmosphère est pesante, la performance est étourdissante mais son auteur reste touchant dans le développement de sa vision apocalyptique du monde. Il y va d’un univers de bande dessinée de science-fiction dans lequel tout est terrifiant mais avec un coté naïf, limite enfantin, qui adoucit les mœurs.

A bien regarder sur les crédits du double album phare de Nine Inch Nails : « The Fragile », on trouve des remerciements à David Bowie et on découvre la présence d’Adrian Belew (ex guitariste chez Zappa et Bowie, désormais membre déjanté à part entière de King Crimson, instrumentiste de génie) aux guitares sur plusieurs morceaux. Evidemment, ces deux la ne pouvaient que traîner dans l’univers étrange et saturé de Reznor.

Après deux heures de show, le groupe nous laisse pantois sur le parquet de l’Olympia, repu de rock, les oreilles bourdonnantes et le cœur avec les NIN qui ont su libérer un tel flot d’énergie et de violence un soir d’hiver à Paris. Il n’y a pas de rappel, les guitares ont été brisées sur les amplis pour le final.

Setlist => Somewhat Damaged, Last, March Of The Pigs, Something I Can Never Have, Ruiner, Closer, Burn, Gave Up, Help Me I’m In Hell, Eraser, Wish, The Big Come Down, Survivalism, Only, Suck, The Day The World Went Away, Dead Souls [JOY DIVISION], Hurt, The Hand That Feeds, Head Like A Hole.

Isobel Campbell et Mark Lanegan au Trabendo ce soir, l’attelage improbable de l’ex-chanteuse violoncelliste écossaise de Belle and Sebastian et d’un chanteur californien de Quenns of the Stone Age, qui développe une musique froide et mystérieuse comme une aurore boréale sur la nuit polaire.

Mark a rencontré Isobel à Glasgow à l’occasion d’un concert des Quenns… Ces deux la partiront à Los Angeles mêler leurs humeurs maussades et aériennes pour sortir ce petit joyau de Ballad of the Broken Seas qu’ils nous jouent ce soir agrémenté de quelques nouveautés.

Il a la voix éraillé d’un vieux bluesman usé par la route, la vie, le bourbon et les cigarettes. Elle a la grâce, blonde et éthérée, d’un ange descendu des Highlands, un pays où la vie est rude. Ils chantent un blues/folk/pop mélancolique et subtil, touchant et minimal. Elle susurre des mots à peine audibles sur la voix toute en basse de son partenaire. Elle est l’auteur de ces compositions qui évoquent les grands espaces et le vide ordinaire de nos vies, à l’image des photos du disque prises dans la chambre d’un motel au milieu de nulle part.

Il ne se passe rien sur scène, juste deux musiciens qui discrètement nous délivrent leur bande sonore, innovent et dérivent de leurs chemins habituels, se retrouvent pour fusionner sur une nouvelle route. Et quand Isobel s’empare de son cello, c’est encore un peu plus de nostalgie entêtante qui descend sur nous : Against my will to these sad shores/ An unknown force has drawn me/ Bound unto a future shaped by ancestors before me/ Day on day I march the beat to someone else’s drum/ I have searched far foreign lands there’s nowhere left to run…

Un petit rappel et s’en vont silencieusement, nous laissant dans nos rêves inachevés du miracle d’une rencontre musicale et exigeante partagée avec nous le temps d’une soirée parisienne. Simplement de la musique et de l’émotion, du talent et pas de prétention.

Après être apparu dans un secret show acoustique pour MySpace.com le 11 janvier à l’aquarium du Trocadéro Archive a donné ce soir au Zénith une éblouissante démonstration, électrique cette fois-ci, de son talent et de sa capacité à faire couler de l’émotion pure dans les veines des 6 000 spectateurs du concert parisien, complet depuis plusieurs semaines. Le groupe a joué jusqu’à n’en plus pouvoir et trois rappels n’ont pas suffi à apaiser un public français bouleversé par la performance.

Lights ouvre le show, morceau éponyme de leur dernier disque, 20 minutes de montée en tension où l’ambiance froide des claviers du départ est progressivement complétée par l’entrée en scène des musiciens et instruments sur fond de vidéo montrant une lampe de bistrot qui se balance lentement au bout de son fil. L’électronique et les machines s’unissent pour atteindre à leur apogée un déchaînement électro-rock de rythmes et de volume portés par l’incroyable voix de Pollard Berrier qui énonce tous les motifs de souffrance sur la planète terre : It hurts to feel/ It hurts to hear/ It hurts to face it…. Outre Pollard, le collectif de chanteurs à géométrie variable est composé de Dave Pen et Maria Q, trio parfait qui rentre dans le moule Archive comme s’il y était né. Ils se succèdent sur scène ou aux guitares suivant le sombre sillon profondément tracé par le duo créateur, Darius Keller et Danny Griffiths.

Toute la bande est de noir vêtu, tel un groupe de clergymen délivrant le catéchisme sonique de notre siècle décadent. Collé à ses machines, Darius fait des pompes sur ses claviers comme un sage juif devant le mur des lamentations !  Danny coiffé d’une casquette de base-ball beaufesque appui sur des boutons et lance des machines. Steve Harris, le seul instrumentiste véritablement virtuose de l’équipe avec le batteur, guitariste good looking guy, portrait craché de Zidane, danse sur scène aux rythmes syncopés qu’il impose à ses cordes. Dave perdu sous une tignasse rebelle se lance à corps perdu dans des vocalises puissantes et insuffle la gégène à sa guitare noire. Et puis il y a Maria, et la, tout s’arrête ! Pour ceux qui ignorent ce que peut être l’émotion pure de la musique, il leur suffit sans doute d’écouter Maria chanter I will Fade pour être convertis. Sa voix éthérée s’envole dans l’espace silencieux d’un Zénith qui a religieusement déposé les armes aux pieds d’un ange pour fuir avec lui dans le réconfort d’une nostalgie entêtante : And you never see me walking towards you/ I you did I would surely fade/ And you never see me trying to hold you/ I you did I would surely fade away.

Les morceaux se succèdent sans intermède ni respiration. 2 heures 30 d’une ambiance musicale aux harmonies en mode mineur dont les pics de violence hypnotique ne font pas oublier la douleur d’une vision désenchantée de la vie. On ne parle ici de quêtes sans espoir, d’échecs sans rémission, d’amours carbonisés. Le coté trip-hop répétitif de la construction musicale achève de nous persuader que l’espoir n’est pas pour demain. Archive nous délivre tout ceci en un cocktail nostalgique, qui mêle Massive Attack et les Pink Floyd, dans une humeur définitivement européenne. Darius et Dany, quinquagénaires désabusés infiltrent leurs accords synthétiques au milieu des boîtes à rythmes et des boucles de bass, réinventent des sons évidents qui portent, enrobent, insufflent les voix sublimes de notre trio de chanteurs au service de leurs guides.

Le Zénith vibre lorsque démarrent les arpèges d’Again chanté par Dave qui apparaît transcendé par cette mélodie sans fin qui s’enroule autour de lui. L’harmonica déchirant souligne la question lancinante : If I was to walk away from you/ Could I laught again… L’audience ondule lorsque le même entame Fuck U et règle ses comptes avec l’objet de ses tourments : There’s a space kept in hell with your name on the seat/ So fuck you anymay. Dans la peine comme la vengeance, Dave est convaincant et cette musique infiniment belle. You make me feel nous ramène à 1999. Roads nous est offert en deuxième rappel, une reprise de Portishead à la mélancolique et si proche inspiration ; suivi d’un terrifiant Numb pour clôturer le show. Mais le Zénith ne veut pas se vider alors Archive, en formation réduite, entoure Pollard qui interprète A taste of blood à l’émotion si subtile qui ne pouvait mieux terminer cette soirée troublante.

Setlist : Lights, Noise, Bridge scene, Veins, I will fade, Headspace, You make me feel, Fuck U, Black, Sane, Sit back down, Again, Pulse rappel 1 : Fold, Programmed, System, rappel 2 : Roads (portishead), Numb, rappel 3 (!): Taste of blood.

De retour de l’enregistrement de son deuxième disque dans le sud de la France et sur la route de New-York pour son mixage, Brisa Roché s’arrête pour une soirée parisienne. Après An Pierlé en octobre, le Café de la Danse, si parisien, nous réjouit pour une nouvelle soirée pleine de notes mutines et de sensibilité féminine. Brisa, artiste américaine vaguement californienne exilée à Paris, habite en fait la planète musique depuis longtemps. Auteur-compositeur-interprète, elle joue de la guitare (modèle « Destroyer »), parle en français avec un accent américain des plus charmants, elle est belle, est entourée d’excellents musiciens à qui on ne raconte pas d’histoire.

Son premier disque The Chase, signé chez le célèbre label Blue Note, est un joyau jazzy qu’elle interprète sur scène de façon plus rocky et énergique, pour notre plus grand bonheur. Nous aurons aussi quelques nouvelles chansons dans leur version provisoire en attendant qu’elles soient mises en boîte. Et même une reprise de Girl’U want superbement interprétée, pleine de chaleur et d’à propos, loin de la folie de l’original créé par Devo !

L’artiste chante et nous parle d’une voix polissonne et chaleureuse. Elle nous emmène dans un voyage intérieur largement ouvert aux vents et influences d’une vie aussi riche que ses inspirations. Un passé underground, des courts de chant à 2 ans, la manche dans le métro, des écoutes multiples, une sincérité désarmante, une fraîcheur préservée, une imagination délicieuse, bref, le cocktail d’une existence pérégrine sur les chemins de traverse, le long des cordes d’une guitare, qui génèrent une personnalité touchante et une musique tendre et décalée.

Tout le Café de la Danse a été renversé par ses éclats de rire au micro, fronçant les sourcils et plissant son petit nez, nous expliquant qu’elle a oublié de brancher sa guitare. Toute l’assistance est tombée définitivement amoureux de cet ange virevoltant entre les notes et les mots.

Cuvée 2006 du Festival des Inrocks : c’est l’étape de la Cigale ce dimanche après-midi, le festival se produit aussi dans différentes villes françaises. Et c’est toujours un régal de programmation multiformes, du neuf et du classique, de l’éphémère et du durable, bref, une atmosphère très « Inrocks ».

Tapes’n Tapes pour commencer, quatre américains crasseux de Minneapolis qui joue un rock garage à tendance punky sans grand intérêt sinon de nous faire patienter pour la suite des évènements, le temps que la salle se remplisse.

Arman Melies un folkeux français mélancolique et séduisant, jouant de sa guitare électro-acoustique et de ses ordinateurs avec brio. Une espèce de Robert Fripp local, échappé d’une planète poétique où il dessinait des moutons. A réécouter.

Plan B : un rappeur encapuchonné, éructant devant une batterie, avec une puissance terrifiante et, il faut le dire, une présence fascinante. Il empoigne parfois une guitare histoire de marquer d’un peu de mélodie une logorrhée incompréhensible qui véhicule dédain et violence. C’est… impressionnant et expressif. Il pousse même le vice à rapper sur un sampling de Radiohead. A ne pas écouter dans son salon pour une soirée romantique, mais vaut le déplacement.

The Pipettes : trois girls britanniques fringuées comme pour une publicité d’aspirateurs Hoover des années 50 qui délivrent une pop surannée et sympathique. Du look et du rythme pour un cocktail indolore et joyeux.

Jarvis Cocker nous revient après l’aventure Pulp et quelques productions et participations de/à différents projets musicaux. Son disque solo The Jarvis Cocker Record sort le lendemain dans les bacs français. Grand échela binoclard, il est entouré d’une bande de requins de studio très pro et, quand il ne nous raconte pas sa vie interminablement entre les chansons, joue une musique dynamique, moins immédiatement séduisante que ses exploits pulpiens. Il faudra écouter avec attention son nouvel opus pour en découvrir les subtilités cachées. En attendant, ça joue bon et fort des mélodies légèrement sophistiquées qui font plaisir à entendre et accompagnent une voix de velours toujours aussi profonde et troublante, parfaitement appropriée à ses textes foisonnants, fruit de l’imagination débordante de cet artiste attachant.

Merci les Inrocks de maintenir ce rendez-vous rock au cœur de Paris qui donne des forces à l’orée de l’hiver urbain !

Cinq garnements sont descendus de Leeds au Trabendo ce soir pour nous jouer un rock sympathique et dynamique. Sortis de l’anonymat en 2005 avant sans doute d’y retourner un jour ou l’autre, les Kaiser Chiefs s’amusent et nous distraient agréablement, sur les traces de Franz Ferdinant. Sur le devant de la scène, le chanteur Ricky Wilson assure le show et regonfle musiciens et public lorsque cela s’avère nécessaire. C’est un peu le retour de la britpop : des guitares acérées sur des mélodies sucrées reprises en chœur par la troupe, des ritournelles surlignées par trois notes ânonnées sur un clavier. C’est correctement écrit, bien emballé et joyeusement interprété !

A force d’avoir tourné dans des salles qu’on imagine enfumées et assuré les premières parties des U2, le groupe et son staff atteignent maintenant un bon niveau de professionnalisme. Le Trabendo est une salle idéale pour siroter une bière en écoutant du live. Kaiser Chiefs est tombé à point pour nous y faire passer une soirée onctueuse.