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L’IMA expose Etienne Dinet (1861-1929), peintre français dont peu de gens ont entendu parler. Représentant de la peinture orientaliste, il fait partie de ces artistes qui furent passionnés par l’Algérie et ses lumières, au point d’y passer une partie de sa vie, de se convertir à l’islam en adoptant le nom musulman de « Nasr-Eddine » et de s’être fait enterrer à Bou-Saâda aux portes du Sahara. Il apprend l’arabe, s’imprègne des légendes locales, illustre des livres publiés par des écrivains arabes.

Les toiles présentées sont féériques, pleines des couleurs majestueuses de ces paysages qui s’étendent de la Méditerranée aux sables du désert. L’artiste a manifestement été emporté par les contrastes et la lumière de ce pays colonisé par la France au point d’en magnifier la représentation dans des toiles qui semblent parfois échappées des contes des Mille et Une Nuits. Une pièce est consacrée à des nus de femmes inspirés par les quartiers de la prostitution fréquentés, notamment, par l’armée d’occupation française. Les formes érotisées de ces femmes semblent montrer une liberté et une joie de vivre sans doute irréalistes compte tenu de leur condition réelle. Qu’importe, c’est l’œil et l’imagination du peintre qui parlent ici et cela suffit pour faire rêver le visiteur.

Le centre Pompidou présente une vaste perspective de l’évolution de la photographie-portait depuis le début du XXème siècle. Des noms de photographes célèbres (Cartier-Bresson, Dorothea Lange, Boltanski, Weegee) et d’autres moins connus ont été retenus pour cette fresque du genre humain, du noir-et-blanc à la couleur, tous formats confondus, plus de cinq cents tirages sont sous nos yeux. Beaucoup, tournés vers la noirceur du monde, montrent la misère des milieux ouvriers au début des années 1900, le travail des enfants, la violence politique, l’exploitation de l’homme par l’homme… tous traduisent cette désolation au travers de visages et de regards pris sous tous les angles par des photographes inspirés. On découvre même des photographies prises par l’écrivain Claude Simon dans sa jeunesse à Madagascar où il est né.

Heureusement, une pièce consacrée aux surréalistes vient apporter un peu de diversion avec Dora Maar photographiant Nush Eluard (clichés retenus pour l’illustration du tragique et déchirant poème « Le temps déborde » écrit par Paul après le décès de sa femme) ou Man Ray illustrant un roman d’Aragon, Breton s’auto-portraiturant…

La photo c’est l’instinct de chasse sans l’envie de tuer. C’est la chasse des anges… On traque, on vise, on tire et… clac ! au lieu d’un mort, on fait un éternel.

Chris Marker (1966)

Une belle revue qui marque la puissance du média photographie pour restituer l’humain !

La soirée est organisée autour de Claude Simon (1913-2005) en coproduction avec l’Association des lecteurs de Claude Simon dont l’actuel président, David Zemmour, en profite aimablement pour appeler au recrutement de nouveaux membres. La petite salle du IIIème arrondissement est bondée. Alaistair Duncan, professeur écossais de littérature française anime un débat avec trois écrivains : Maylis de Kerangal, Christine Montabelti et Marc Graciano. Duncan est bavard mais finit par donner la parole à ses invités qui racontent alors leur découverte de Claude Simon.

Pour Granciano ce fut à l’occasion du prix Nobel de littérature octroyé à l’écrivain en 1985, il a alors 19 ans, intéressé beaucoup par le football mais déjà un peu par la littérature. Son professeur de français l’a mis en garde de « ne pas faire du Proust sans l’avoir lu »… Il est frappé par la phrase descriptive de Simon qui fait naître le réel. Une espèce d’hallucination des mots, de remémoration de ce qui a été vu dans le passé pour créer du réalisme.

De Kerangal est venue à Claude Simon du fait de l’aura qui l’entourait. Quelque peu intimidée elle découvre une langue « magmatique, convulsive » au gré de pages noircies par des blocs de lignes noires. Alors étudiante en histoire & géographie elle pense qu’elle « ne méritait pas » un tel auteur. Elle y reviendra 20 ans plus tard après avoir commencé à se forger une expérience de la littérature.

Montabelti a 17 ans quand son petit frère lui offre « La Bataille de Pharsale », elle est alors fascinée par « l’étymologie de la lumière » qu’irradie cet auteur lui-même passionnément tourné vers la lumière naturelle. La longueur de ses phrases lui apparaît motrice, dynamisante pour le lecteur, un souffle « d’énergie désirable » qui a emporté Montabelti.

Les trois auteurs lisent et commentent alors chacun quelques paragraphes de livres qui les ont marqués, en l’occurrence, « Leçons de chose », « L’Acacia » et « Le cheval ». On y retrouve la hantise de la guerre, très prégnante dans l’œuvre de Simon (il fut mobilisé en 1940 puis fait prisonnier par les Allemands avant de s’évader), et ces phrases qui donnent la sensation d’envelopper le lecteur qui se laisse emporter et enserrer par les mots dans lesquels il s’immerge. « Le bâti des phrases fonde l’œuvre comme un palais » exprime Montabelti. Elles sont une « mélopée ».

S’en suit un débat un peu technique sur l’utilisation des parenthèses par Claude Simon qui « attestent la puissance en réserve de la phrase » car elles font surtout apparaître les parenthèses qui ne sont pas là selon Kerangal. Ces parenthèses créent un « effet ressac » pour Montabelti, qui aident le lecteur.

Les invités planchent alors sur la question posée par l’animateur de savoir si Claude Simon est un auteur « difficile ». Avec un bel ensemble ils répondent, contre toute évidence, « non ». Le débat tourne alors quelque peu vers un verbiage légèrement germanopratin où il est question de désir qui dissout cette soi-disant difficulté qui n’est en rien décourageante face à la fadeur et la platitude de certaines autres catégories de la littérature. Au contraire, selon Kerangal, la « synesthésie » (association de deux ou plusieurs sens NDLR) de la lecture des descriptions fines écrites par Simon permet de mêler le son, le registre visuel, le descriptif, les souvenirs. C’est une expérience physique, intimidante parfois, mais certainement pas « difficile ».

Une dernière citation permet de clore la table ronde, extraite du discours prononcé à Stockholm par l’écrivain après avoir reçu son prix Nobel :

Eh bien, lorsque je me trouve devant ma page blanche, je suis confronté à deux choses : d’une part le trouble magma d’émotions, de souvenirs, d’images qui se trouve en moi, d’autre part la langue, les mots que je vais chercher pour le dire, la syntaxe par laquelle ils vont être ordonnés et au sein de laquelle ils vont en quelque sorte se cristalliser.

Et, tout de suite, un premier constat : c’est que l’on n’écrit (ou ne décrit) jamais quelque chose qui s’est passé avant le travail d’écrire, mais bien ce qui se produit (et cela dans tous les sens du terme) au cours de ce travail, au présent de celui-ci, et résulte, non pas du conflit entre le très vague projet initial et la langue, mais au contraire d’une symbiose entre les deux qui fait, du moins chez moi, que le résultat est infiniment plus riche que l’intention.

https://www.nobelprize.org/prizes/literature/1985/simon/25233-claude-simon-nobel-lecture-1985/

Il y a dix ans, à l’occasion de la célébration du centenaire de la naissance de Claude Simon avait été organisé une exposition intitulée « Claude Simon – L’inépuisable chaos du monde » comme le rappelle Dominique Viart, professeur de littérature, essayiste et critique littéraire, qui a réalisé un film d’une heure trente sur cette exposition dont il présente ce soir un extrait de trente minutes. On y découvre l’aspect très iconique des plans des livres de Simon pour lesquels il utilisait un code couleurs dont chaque élément correspondait à l’un des personnages et qui étaient ensuite mêlées en une tache chromatique devant chaque titre de chapitre. Les miracles de la numérisation ont ainsi permisau réalisateur du film de composer un montage singulier durant quelques secondes en jouant de toutes ces taches sans plus les lier à leurs chapitres. Sont également montrés les cartes qu’il dessinait des lieux narrés dans ses romans avec les formes des maisons, des routes, des fleuves. On reste ébahi devant le travail préparatoire, presque scientifique, de cette littérature.

Voir aussi : Claude Simon – L’inépuisable chaos du monde (2014)

On fait également la connaissance de Rea Simon (1928-2017), grecque délicieuse, qui fut la seconde femme de Claude et l’accompagna tout au long d’une grande partie de son œuvre. Déjà assez âgée au moment de l’interview, une cigarette à la main, elle raconte de sa voix rocailleuse de vieille fumeuse, l’œil complice, les petits évènements qui peuplèrent leur vie commune : la « récupération » du bureau de Claude, avec l’aide de Jérôme Lindon, dans l’appartement de sa première épouse en son absence, Beckett qui buvait beaucoup, la relecture des manuscrits de Claude, les rares chamailleries sur le choix de certains mots…

Le film dans son intégralité est disponible avec le livre éponyme dirigé par Viart qui synthétise les différentes rencontres tenues à l’occasion de l’exposition. Certains intervenants expliquent le rôle très large joué par Simon dans la littérature, bien au-delà du seul nouveau roman auquel on a parfois limité son influence. Successeur de Proust, il fut un écrivain géographe, rattaché à la terre qu’il n’a cessé de découvrir et de décrire comme un explorateur.

C’est aussi l’occasion de se souvenir que Simon fut parfois, dans sa jeunesse, peintre et photographe. Une série de ses clichés pris à Madagascar où il est né sont exposés en ce moment à Beaubourg dans l’exposition « Corps à corps – Histoire(s) de la photographie ».

Basé sur une histoire vraie, le film retrace le parcours d’une actrice (Elisabeth jouée par Nathalie Portman) qui doit interpréter le rôle d’une femme (Gracie jouée par Juliane Moore) qui a causé un scandale des années auparavant en épousant un jeune américano-coréen d’une vingtaine d’années plus jeune qu’elle, éleveur de papillons, Joe. Par souci de vérité pour le futur rôle qu’elle doit incarner elle veut s’imprégner de la personnalité de son modèle et va alors découvrir les zones d’ombre de cette famille recomposée. Avec l’accord de Gracie elle rencontre son premier mari et les enfants issus de cette union, son employeur de l’époque, les enfants nés avec son nouveau et jeune mari, ses amis… Elle passe même une soirée torride avec Joe sans que l’on ne devine bien si c’est juste une question de désir ou de volonté de coller au personnage qu’elle doit jouer. La scène finale montre d’ailleurs la séance de séduction d’origine filmée et jouée par Elisabeth qui caresse un serpent qui la sépare de l’acteur jouant Jo…

Comme souvent les films sur le cinéma sont troublants avec le vrai qui s’emmêle dans le faux et la fiction qui s’enroule autour de la réalité. Tout est possible et Haynes en profite pour ajouter sa vision des névroses qui agitent les personnages de son film sans que l’on ne sache vraiment si elles caractérisaient aussi les vraies personnes. Un film à voir.

Un film émouvant et délicat sur une mère et son fils juifs habitant une cité de Sarcelles peuplée de personnes plutôt issues de l’immigration africaine. Tous les habitants de confession juive ont progressivement quitté le coin qui s’est communautarisé. Belisha y mène une vie paisible et inactive, au milieu de ses potes « noirs et arabes », cachant consciencieusement à sa mère, jouée par Agnès Jaoui, qu’ils sont les derniers juifs de la cité et que si les comportements individuels de leurs voisins sont bienveillants, il n’en est pas de même du sentiment antisémite diffus qui anime la collectivité.

Le scénario est parsemé de petits détails légers et drôles : le bureau de l’adjoint au maire qui veut faire ami-ami avec Belisha et le reçois dans un bureau aux murs décorés avec des affiches militantes pro-palestiennes, Belisha qui ment à sa mère en lui jurant que le poulet a été acheté chez le magasin casher alors que celui-ci a fermé récemment, la décoration de leur appartement avec le plastique pour protéger les coussins, la mezouzah qui empêche l’électricien musulman d’entrer faire une réparation et que Belischa faillit oublier au moment de rendre les clés du HLM, la mère qui se demande « mais où sont passés les arabes, il n’y a plus que des noirs ? », etc.

Michael Zindel joue à la perfection son personnage de Belisha, plein de tendresse, semblant planner bien haut au-dessus des querelles religieuses, tout entier dédié à protéger sa Maman. Il ne la sauvera pas et le générique de fin démarre sur l’image de Belisha quittant la cité avec sa valise pour une destination inconnue après une émouvante scène où les voisines arabophones sonnent à la porte de l’appartement pour rendre hommage à la défunte et à son fils avec, selon la tradition, de la nourriture.

C’est le premier long métrage de Noé Debré, scénariste reconnu, et représentant de la branche juive alsacienne des Debré, la branche parisienne « étant convertie depuis longtemps » comme il l’explique au Monde (27/01/2024). Il aborde, tout en douceur et subtilité, le dilemme de l’exil intérieur et de la communautarisation qui sévit en France.

Neuf danseurs, cinq femmes et quatre hommes (et un chien) se produisent au théâtre Bonlieu d’Annecy, sous la direction de la chorégraphe belge Michèle Anne de Mey. Une improbable tyrolienne est tendue au milieu de la scène dépouillée. Le fond musical est majoritairement composé de la symphonie Héroïque de Beethoven, parfois en alternance avec d’autres œuvres dont l’inattendu Foxy Lady interprété par Jimi Hendrix à grand renfort de feedback sur sa légendaire guitare.

Les jeunes danseuses sont belles, leurs collègues masculins sont élégamment musclés, quatre couples se font et se défont mais, toujours, une femme reste seule. Le ballet est alternativement classique et moderne, les entrechats succèdent aux roulades hip-hop sur le sol et aux descentes en tyrolienne. A la fin de la soirée le sol est inondé à grands renfort de sceaux d’eau qui y sont projetés. Les danseurs sont torses nus, roulant des abdominaux, les danseuses sont habillées plus légèrement, tout ce petit monde se lance dans de grandes glissades arrosées, la soirée tourne au concours de T-shirts mouillés, ce qui n’est pas le moment le plus désagréable du show…

Toute cette jeunesse est enthousiaste et souriante, professionnelle et entraînée. Même le chien courant après des balles de tennis est dans le rythme. L’idée subliminale de ce spectacle porte sans doute sur la question du couple, qui varie, se compose et se décompose au gré du temps avec toujours quelqu’un abandonné sur le bas-côté. Après cette prestation virevoltante les sexagénaires (et plus…), majoritaires dans les rangs, sortent de Bonlieu de bonne humeur.