Keep on rockin' in the free world
Neil Young
Le Quatuor Hermès et Geffroy Couteau (piano) enchantent le festival avec un programme Schubert et Brahms. Le quatuor ouvre le concert avec Schubert (quatuor n°13), Geffroy Couteau joue ensuite les Klavierstücke (op. 76) de Brahms, puis ils se réunissent sur le quintette pour piano et cordes op. 34 de Brahms. Jeunesse, grâce et talent caractérisent ces musiciens venus bercer l’âme de vacanciers à la recherche d’un peu de spiritualité.
Un documentaire sur Daniel Darc, l’ange sombre, chanteur et fondateur du groupe français Taxi Girl, phare éphémère de la scène française post punk au début des années 80. Le groupe ne sortit qu’un disque et se rendit célèbre autant par son inspiration poético-morbide que par les frasques de ses membres dont plusieurs sont morts tôt, ravagés par les drogues et des vies sans limite. Darc qui écrivait les textes survécut, un temps, et poursuivit une carrière solo entrecoupée de drames et de fulgurances dont l’excellent disque Crèvecoeur, sorti en 2004 qui relança sa carrière.
Un de ses amis proches l’a filmé tout au long de cette errance, plutôt au cours des dernières années, et monta ensuite ce matériel après la mort de l’artiste en 2013 pour livrer un film émouvant sur les tourments créatifs de cet être pour le moins torturé. Rocker au cœur tendre, il est fasciné par les mots tristes posés sur des notes innocentes. Son modèle toutes catégories est le Velvet Underground. Il est hanté par les poètes maudits et se pense l’un d’eux, et lorsqu’il constate que ses cures de désintoxication assèchent son inspiration il replonge avec conviction dans ses addictions.
Une des dernières séquences le montre sur la scène des Eurokéennes (en 2008 ?) chantant… Sad Song de Lou Reed devant une assemblée parsemée. C’est le résumé tragique de la vie de Darc, né Rozum (famille juive originaire de Russie et de Lituanie) dont la grand-mère mourut à Auschwitz, la mère vécut une histoire d’amour avec un officier de la Wehrmacht durant l’occupation et qui se convertit à la religion protestante pour tenter, en vain, de vaincre ses démons !
Kraftwerk dans la salle Pierre Boulez de la Philharmonie de Paris : c’est le groupe allemand qui a vulgarisé la musique électronique il y a 40 ans et considérablement influencé le rock du XXème siècle. La prestation ce soir est à leur image, industrielle et technologique, minimaliste et glaçante, dansante et sereine. En sortant les jeunes d’aujourd’hui constatent que Daft Punk n’a finalement rien inventé : retour à la réalité !
Thom Yorke se produit avec Niger Godrich et un animateur lumière et vidéo, sur la scène de la salle Pierre Boulez de la Philharmonie de Paris. Ils viennent de jouer au Festival Jazz de Montreux, Thom a composé la musique du film Suspiria de Luca Guadagnino, une variation d’un film de Dario Argento… Bref, l’artiste désormais cinquantenaire est en pleine ébullition, toujours à l’affut d’innovation musicale, sautant d’un genre à l’autre, féru de musique contemporaine (Stockhausen, Pierre Henri) il remixe ces inspirations en mode électro sur les scènes du monde : Tomorrow’s Modern Boxes en est le dernier avatar
Délaissant pour un temps ses compères de Radiohead, l’un des groupes majeurs de notre temps, il a (ils ont) depuis longtemps abandonné le format guitares-batterie pour investir d’autres univers, celui de l’électro notamment, mais sur un mode sophistiqué, et même intellectualisé. Ce soir sur la scène ordinateurs et machines composent trois blocs blancs, pour chacun des musiciens-ingénieurs, répartis devant un grand écran. Thom est habillé de noir avec un pantacourt baggy et des baskets blanches, des cheveux en chignon et une barbe blanchissante de trois jours qui le font ressembler à un pêcheur de perles japonais. Il y a une bass et une guitare posées dans un coin, ainsi qu’un petit piano électrique, ils en joueront à l’occasion mais l’essentiel vient ce soir des machines et du chant de Yorke.
Les sons électroniques sont alternativement éthérés et rythmés, contrairement à la norme électro on n’est pas écrasés par un beat sourd mais au contraire portés par l’inspiration d’une musique hors du temps, illustrés par des images intergalactiques où les symphonies de couleurs le disputent à l’ordonnancement de dessins géométriques ou au contraire à la confusion des images ! Ordre-désordre, voilà qui pourrait caractériser cette musique étrange faite pour le rêve vers lequel nous porte la personnalité charismatique de Thom Yorke à la voix si particulière, planant vers le haut et réverbérée/répétée à l’infini par la technologie autant que nous guidant vers les graves profonds. Thom est souvent sur le devant de la scène dansant, vivant, transmettant cette musique avec passion. L’atmosphère dans le public est plutôt recueillie alors que la musique est supposée être dansante mais l’audience se concentre pour se laisser pénétrée par la musique et la voix de ce petit lutin fantastique, apôtre du chaos, créateur envoutant, à l’incroyable inspiration de notes et de mots. Jusqu’où ira-t-il ? Deux rappels ne suffiront pas à étancher notre soif de nouveauté et le trio repart sous un tonnerre d’applaudissements. Il se dit qu’un nouveau CD des Radiohead est sous presse.
Flamboyant concert ce soir de Joe Jackson à la Cigale : la formation originelle du Joe Jackson Band pour présenter le nouveau disque Fool et revenir sur le passé ! Joe est sur la scène depuis 40 ans (Look Sharp est sorti en 1978), il y promène son élégance toute britannique, son art musical, sa virtuosité aux claviers et une énergie jamais démentie. Alors quel bonheur de rembobiner l’histoire en compagnie de ce quatuor de légende : One More Time, I’m the Man…, une sublime version de Steppin’ Out rejouée avec la boîte à rythme historique, mais aussi des plongées dans le très réussi dernier album sorti en début de cette année 2019.
Joe affiche toujours ce brin de folie musicale si bien caractérisée par sa voix qui monte et qui rompt. Evidemment il n’atteint plus certains aigus qui sont maintenant remplacés par des solos de guitare, mais quel talent de compositeur, quel sens de la mélodie, et quel homme délicieux !
Amazing Grace, un superbe film de Sydney Pollack sur un enregistrement d’Aretha Franklin en 1972 dans une église de la banlieue de Los Angeles. Quasi oublié, jamais terminé, emberlificoté dans des problèmes techniques (image et son mal synchronisés) puis de droits, la Diva refusant la publication à la fin de sa vie, ce n’est qu’après son décès l’été dernier et grâce aux techniques modernes que le film a pu enfin être terminé et, enfin, diffusé. Le résultat est unique !
Aretha et son équipe avaient décidé d’enregistrer en live un disque reprenant les classiques du gospel dans cette petite église de Watts. Elevée par un père pasteur de l’Eglise baptiste dont les prêches font à l’époque le tour des Etats-Unis d’Amérique. Dès son plus jeune âge elle chante avec ses sœurs lors des offices de son père. Chez eux à Detroit on croise Martin Luther King, Duke Ellington et autres gloires de la musique et de l’émancipation des noirs, souvent des deux à la fois d’ailleurs. Très vite les talents d’Aretha explosent et elle deviendra la Lady Soul, composant peu, interprétant beaucoup, et de quelle manière, les classiques du gospel, de la soul et du rhythm and blues. Sa voix couvre cinq octaves et développe une sensibilité à laquelle il est difficile de rester indifférent, elle joue également (bien) du piano.
Ces deux soirées de Los Angeles donnèrent lieu à l’édition d’un disque Amazing Grace, du titre de l’un des cantiques qu’il contient et dont Aretha produit une bouleversante version de plus de dix minutes : Amazing grace, how sweet the sound,/ That saved a wretch like me!/ I once was lost but now I’m found,/ Was blind, but now, I see./ …/ The Lord has promised good to me,/ His word my hope secures;/ He will my shield and portion be,/ As long as life endures.
Dans l’église elle est accompagnée d’un magnifique chœur dirigé par un flamboyant leader, d’un charismatique pasteur au piano et d’un quatuor guitare-bass-orgue-percussions. Un public d’une centaine de personnes donne l’ambiance du direct, on y reconnait Mick Jagger et Charlie Watts. Tout ce petit monde est très majoritairement afro-américain, coiffé de coupes afro encombrantes ou de choucroutes défrisées de l’époque, pattes d’éph. et nœuds de cravate énormes, costumes chamarrés. Le chœur et l’audience sont fébriles, se lèvent en hurlant dès que la Diva pousse sa voix dans les extrêmes, on est toujours entre transe et hystérie, le tout sous couvert d’une musique alternant mysticisme et performance. Sur le mur du fond de l’église, un grand tableau symbolise Jésus, sans doute dans le Jourdain.
Aretha chante divinement, au piano où devant un pupitre de prêcheur, les yeux fermés, en communication directe avec le Seigneur, mais si humaine pour inspirer les spectateurs avec cette voix au-delà du sublime. Une grande dame et un film qui fera date.
La maison de disque de David Bowie publie les fonds de tiroir, en l’occurrence l’enregistrement du concert de l’Elysée-Montmartre du 14 octobre 1999. Pour ceux qui y furent c’est le magnifique rappel du plus beau moment de leur vie. On avait oublié combien l’artiste paraissait guilleret sur scène malgré la gravité de l’album (Hours) qu’il y présentait. L’enregistrement est excellent, la prestation sublime, le souvenir nostalgique.
Kronic du show : ici.
Lenny Kravitz fait le spectacle à Bercy : deux heures et demie de concert pour notre hippie funky sous sa chevelure choucroute-rasta et ses Ray Ban foncées, qui se dépense pour nous avec une bande de musicos bariolés au sein de laquelle Gail-Ann Dorsey joue de la basse, revêtue d’un boubou africain. Tout ce petit monde joue une pop enlevée, avec un manifeste plaisir. On ne peut pas dire que cette musique soit d’une subtilité bouleversante mais la soirée fut bonne, clôturée par les paroles lénifiantes de Lenny sur l’amour et la vie, à mi-chemin entre Jésus et le flower power.
La Philharmonie retrace l’histoire de l’arrivée de l’électronique, puis son explosion, dans la musique de notre temps, au point d’en devenir un genre à part entière (parfois un peu envahissant) : l’électro ! Depuis les premiers laboratoires musicaux se lançant dans des expérimentations bizarres au mitan du XXème siècle jusqu’à la danse music où des opérateurs mettent des foules en transe en bricolant des fils sur des ordinateurs, en passant par Kraftwerk le groupe allemand qui popularisera l’électronique dans le rock dans les années 70’ et qui donnera trois shows en juillet à la Philharmonie, l’exposition suit ce parcours étonnant de la technologie inspirant la musique.
Il y a des instruments d’époque, notamment le studio reconstitué de Jean-Michel Jarre à l’époque où les boucles étaient réalisées avec des bandes magnétiques sur un Revox, puis l’arrivée des synthétiseurs Moog, AKS, puis leur remplacement progressif par des ordinateurs sophistiqués qui synthétisent puis créent des sons et des rythmes extraordinaires.
L’Electro participe aussi à l’apparition de toute une culture et fut notamment à l’origine de l’émancipation de la culture queer. De nombreuses photos et vidéos illustrent cet écosystème avec bien sûr un passage par sa face obscure, celle de la drogue et, parfois, de son côté messe noire.
Comme toutes celles qui l’ont précédée, cette exposition musicale de la Philharmonie est un trésor de cuture et de savoir, montée par des spécialistes. Il ne faut pas compter son temps, si l’on veut tout voir et tout écouter… on ne sait plus où donner de la tête !
Philip Glass, musicien-compositeur américain contemporain, rencontre Ravi Shankar (1920-2012), musicien-sitariste et compositeur indien, dans les années 60. De leur amitié est née l’œuvre Passages, jouée ce soir sous la direction de Karen Kamensek, chef d’orchestre américaine.
Glass, créateur de « musique à structures répétitives » a collaboré avec nombre artistes du XXème siècle, de Boulez à Bowie, de Scorsese à Léonard Cohen, toujours à l’affut de nouveautés et de l’air de son temps. Shankar a suivi la même voie ; on l’a vu jouer à Woodstock en 1969 et multiplier les collaborations de Yehudi Menuhin à Gorge Harrisson, en passant par Allen Ginsberg. Ses enfants enrichissent son héritage musical : Norah Jones dans un mode jazz-pop et Anoushka Shankar qui joue du sitar ce soir avec l’Orchestre de chambre de Paris.
Lire aussi : Bowie par Philip Glass
Les huit musiciens indiens (dont l’un d’eux est manifestement occidental), flutes et percussions, sont assis en tailleur, pieds nus, sur des tapis de circonstance derrière Anoushka, sur le côté droit de la scène, le reste étant réservé à l’orchestre de facture plus classique. Les instruments sont sonorisés et trois chanteurs interviennent également dans l’œuvre.
Passages se révèle une œuvre inspirée par ces deux cultures occidentale et asiatique dont relèvent ses deux compositeurs. Organisée en mouvements successifs, joués alternativement par le combo indien puis l’orchestre de chambre qui donnent un peu l’impression de se lancer la balle l’un l’autre plutôt que de se compléter, les passages indiens sont fascinants pour l’assistance. La fille Shankar, sous des allures lascives sur son tapis, se révèle une virtuose du sitar dont elle tire des sons proches d’une guitare électrique sans se départir des harmonies de sa propre culture. L’aspect répétitif de la composition et son interprétation au sitar fait immanquablement penser au King Crimson des années 2000. Quelle satisfaction de voir ces musiques et ces cultures se mélanger si harmonieusement, quel bonheur d’avoir eu des musiciens visionnaires capables de transcender ce multiculturalisme en notes et d’en avoir inspiré tant d’autres. D’avoir eu ? Non, de toujours avoir : Philip Glass est présent ce soir et, après une rencontre à 19h avec quelques spectateurs chanceux, vient saluer l’assistance au terme de Passages, entouré avec respect, affection et admiration par Anoushka et la chef d’orchestre (elle aussi pieds nus en vêtue d’un sari) : un triomphe !
Archive fête ses 25 années d’existence musicale avec un concert à la Seine Musicale de l’Ile Seguin. Rien de neuf mais toujours beaucoup de bonheur à écouter cette belle musique. 3h30 de concert interrompu par 15mn d’entracte, une setlist de… 25 ans ; tous les musiciens qui ont participé à l’aventure de ce combo à géométrie variable ne sont pas présents mais les historiques sont là, sauf Rosko le rappeur. Le light-show est minimal et la scène reste presqu’en permanence dans l’ombre, tout est pour la musique, le déroulement du show est un peu convenu mais le succès est total. Ne boudons pas notre plaisir !
Archive est d’abord la création du duo londonien Darius Keeler et Danny Griffiths qui fondèrent le groupe en 1994 et l’animèrent ensuite sur un mode à dimension variable où les musiciens, chanteurs et chanteuses se sont succédés puis retrouvés au gré des évolutions de la bande. A l’origine fut le disque Londinium sorti en 1996 avec la chanteuse Roya Arab et la rappeur Rosko John, dans la lignée des groupes de Trip Hop de Bristol, Massive Attack et Portishead, devenu une référence du genre : crépusculaire, rythmé et obsédant. S’en suit une période plus pop à partir de 2000 avec au chant Craig Walker, Dave Pen, Pollar Berrier et l’inestimable Maria Q à la voix bouleversante. La musique évolue sur des chemins toujours très sombres mais aussi plus classiques, fleurtant avec le rock progressif, des morceaux parfois déchirants pouvant durer dix minutes de longues mises en tension jusqu’à l’explosion instrumentale finale (Light), sans oublier des chansons courtes et tranchantes marquées du sceau d’un rock nerveux (Fuck U, Numb).
En 2009 paraît le premier opus de la série de deux albums Controlling Crown qui marque le retour de Rosko avec son rap chaloupé sur fonds d’instrumentaux répétitifs et planants. Le groupe s’essaiera à jouer avec un orchestre classique, ce qui ne fut pas particulièrement marquant.
2011, c’est le retour à l’électronique et l’arrivée de la chanteuse Holly Martin, avec With Us Until You’re Dead, suivi en 2015 de Restriction et Kings of the False Foundation en 2016. On est dans le rythme endiablé et le son débridé d’une époque, le show live s’adapte à cette nouvelle étape avec un concert jouissif Salle Pleyel en 2016. Cette nouvelle orientation ébouriffante n’empêche pas quelques pièces posées de nous ramener vers la grâce : Holly interprète Black and Blue avec une fraicheur et une tendresse à vous tirer des larmes d’émotion.
Ce soir Maria et Holly sont présentes ensemble et lancent d’ailleurs le show avec You Make me Feel chantées à deux, la voie est tracée pour cette soirée emblématique d’un groupe pressé et productif qui a su rester sur un chemin de traverse où l’a rejoint un public français particulièrement fidèle qui a vibré à l’unisson des reprises de toutes les grandes créations du groupe, picorées dans un catalogue impressionnant. Again compose le rappel, cela fait longtemps que l’on n’avait plus entendu cette chanson d’amour fétiche des années 2000, généralement jouée en clôture de show. Alors ce soir quel plus beau symbole de ces 25 années de carrière. Lancée sur le son aigrelet d’un harmonica amorçant des arpèges de guitare en mode mineur, la voix plaintive de Dave se déploie dans le volume de cette Seine Musicale en forme de planétarium : You’re killing me again/ Am I still in your head?/ You used to light me up/ Now you shut me down/ If I/ Was to walk away/ From you my love/ Could I laugh again?
Fin du chapitre.
Setlist
Chapter one : You Make Me Feel/ Fuck U/ Pills/Bullets/ Kings of Speed/ Noise/ Kid Corner/ Violently/ System/ Wiped Out (extended Intro)/ Shiver/ Collapse/Collide/ Splinters/ Remains of Nothing (with Band of Skulls)/ End of Our Days/ The Empty Bottle (Stripped down version with only Dave on vocals, Mike on guitar and Danny on synth)/ Dangervisit
Chapter two : Lights/ Nothing Else/ Erase/ Finding It So Hard/ The Hell Scared Out of Me/ Controlling Crowds/ Numb (With Russell Marsden and Emma Richardson on additional Guitar and Bass) Encore : Again (With Mike Peters from The Alarm on Harmonica)
Michel Jonasz, chanteur populaire des années 80’ passe en concert dans la salle de spectacle de mairie de Montrouge, accompagné d’un pianiste, au demeurant excellent. Evidemment, il a vieilli, mais nous aussi sans doute. L’âge moyen de l’assistance est plus proche de celui d’une maison de retraite que d’un collège… Il en rit et tente de nous en faire sourire.
Il a gardé une belle voix grave au trémolo si particulier, un joli sens du rythme mêlant jazz, blues et chanson de variété en un cocktail toujours sympathique. Son pianiste joue aussi de la guitare avec brio et le duo affiche sa complicité. Le duo pourrait sans doute faire un peu moins les clowns que le spectacle n’en pâtirait point. Ses textes sont emprunts d’une certaine mélancolie, sur la vie qui passe et les amoureuses qui nous quittent.
Au temps de sa gloire Jonasz surnageait largement au-dessus du lot des chanteurs de variété de son époque. Il est selon auteur, compositeur ou interprète et continue à sortir des disques, le dernier date de 2011. A 72 ans, il va bien falloir qu’il s’arrête un jour.
Sophie Hunger revient à Paris au cœur d’une large tournée qui suit la sortie de son dernier CD : Molecules. L’une et l’autre débordent de l’enthousiasme dont ne dépare jamais cette artiste helvétique.
Habillée de noir, elle est accompagnée d’une bassiste manipulant aussi de l’électronique, d’un batteur, d’un claviériste (parisien et fidèle au groupe) et d’un choriste intermittent également second guitariste.
Le concert débute sur I opened a bar, parfait résumé de cette nouvelle direction musicale plus techno, des paroles chantées-parlées mais toujours pleines de bienveillance et d’une douce nostalgie à peine couverte par ces rythmes plus entraînants : I opened a bar for my boyfriend/ The one who always held my hand/ in publics places where we drank/ To him to wonderfully spend the night/ with his new lover…
Lorsqu’elle prend la parole après avoir joué quelques-unes de ses nouvelles compositions, elle rappelle, dans son français souriant à l’accent alémanique, que nous nous fréquentons depuis 12 ans maintenant ce qui est une période bien plus longue que celle des couples d’aujourd’hui qui sont généralement déjà en thérapie à ce stade, alors qu’entre nous, tout va de mieux en mieux… Elle s’en réjouit et nous avec.
Le concert se déroule dans l’harmonie de compositions fluides et agréables à entendre. Les passages électriques à deux guitares se font dansants et fébriles. Les chœurs chantés par les musiciens encadrent délicieusement la voix de Sophie tout en lui maintenant son côté brumeux, élégant et enfantin.
Sophie Hunger : une musicienne originale qui ne se prend pas au sérieux. La couverture de son disque la montre tout habillée dans une baignoire remplie d’eau. Sur scène, alors que ses coreligionnaires guitaristes utilisent des pédales pour gérer leurs effets sonores, elle a placé celles-ci sur une tablette devant elle et tape dessus avec le poing pour faire ses réglages.
Un sourire, une guitare (électrique ou acoustique), une voix, de l’inspiration et de l’enthousiasme, sans oublier un groupe de potes d’excellent niveau, et voilà de quoi remplir une soirée folk-pop pleine de charme et de grande qualité.
Setlist : I Opened a Bar/ The Actress/ Let It Come Down/ Supermoon/ Die ganze Welt/ Sliver Lane/ Liquid Air/ Tricks/ There Is Still Pain Left/ Coucou/ Das Neue/ Freiheitsstatue/ Hanghanghang/
Encore : That Man/ Le vent nous portera (Noir Désir cover)
Encore 2 : Speech (Fisher song)/ Train People
Lambchop est de retour à la Maroquinerie avec un nouveau disque This is what I wanted to tell you, et une équipe de musiciens renouvelée autour des historiques de la bande. Kurt Wagner, le leader et inspirateur de cette musique joue et chante toujours avec son éternelle casquette rouge vissée sur la tête. Clin d’œil à cette habitude vestimentaire, la couverture du dernier disque est une photo-portrait de lui… sans casquette et l’on découvre enfin ce qu’il y a sous celle-ci : une sévère calvitie.
Blanchi sous le harnais des disques et des tournées depuis les années 90’, ce groupe de Nashville développe sa country alternative avec bonhommie et créativité. Un peu d’électronique vient enrichir leur inspiration cette années, deux jeunes ont été recrutés dont le batteur-saxophoniste-guitariste (qui assure également la première partie) et le percussionniste noyé derrière une masse de fils qui sortent et se connectent à d’étranges machines. Sur le disque récent et une bonne partie du show de ce soir, la voix de Kurt est traitée comme avec un chœur en léger décalé sur le chant principal, il n’est pas sûr que ce bidouillage soit indispensable.
Wagner et ses deux jeunes sont entourés d’un guitariste du genre free (qui passe à la steel de temps à autre) et d’un claviériste, qui ont son âge et jouent avec lui depuis la nuit des temps. Le bassiste vient compléter ce combo. Tout le monde est souriant et appliqué autour du Maître qui décline cette musique « de chambre » avec douceur et mélancolie. Ni virtuosité ni effets de manche, seulement ce folk qui vient de ce Tennesse profond dont l’atmosphère et l’histoire tragique ont inspirées tellement de musiciens.
Tout dans la musique de Lamchop transpire cette quiétude tropicale propice à la créativité. Alors on se laisse bercer par les mots et les notes, comme emportés par cette lenteur : There’s no rules to this disorder/ I cup my hands, I drink the water/ The news was fake, the drugs were real/ The dream was gone, not its appeal (Everything for You).
Habitué de cette petite salle de la Maroquinerie, Lambchop y a rassemblé ce soir encore un public fidèle et amateur de cette musique ciselée comme le cristal. C’est la qualité plutôt que les décibels et une sérénité comme ancestrale au cœur d’un monde tellement agité : le deep-south monté à Paris, l’âme du Tennesse qui plane sur Belleville. Quelle élégance !
Les Rolling Stones « reportent » leur tournée américaine suite à des soucis de santé de Mick Jagger, 75 ans. Opération du cœur, convalescence en cours, pas sûr qu’il ne reprenne la route de sitôt.
I’m so sorry to all our fans in America & Canada with tickets. I really hate letting you down like this. I’m devastated for having to postpone the tour but I will be working very hard to be back on stage as soon as I can. Once again, huge apologies to everyone.
@MickJagger 30 mars 2019
Sortie : 2017, Chez : Le Mot et le Reste.
Peter Hook, musicien bassiste britannique a participé au mouvement post-punk en jouant dans le groupe éphémère Joy Division, puis, après le suicide de son chanteur, à la poursuite du concept à travers le groupe New Order. Il raconte cette aventure dans ce récit de 750 pages où se mêlent à la fois les détails techniques sur ses amplis ou ses instruments, une discographie extrêmement détaillée de l’ensemble de leur catalogue, la liste exhaustive de leurs concerts, mais aussi et surtout le souffle de 40 années de musique et de création depuis le premier concert des Sex Pistols vu par Peter et Bernard « Barney » Summer, alors copains de lycée, au mitan des années 70′, et qui allaient mener ensemble l’histoire New Order jusqu’au départ de Peter Hook en 2007 à la sortie du film « Control » d’Anton Corbijn sur l’étoile filante Joy Division dont la bande originale est signée New Order.
Originaire de Manchester, le groupe connut un succès international et inspira nombre d’autres musiciens. S’extrayant assez vite de l’influence Joy Division, il s’orienta assez tôt vers une exploration électronique et dance qui a marqué les années 80 et 90′.
Evidemment, la vie d’un groupe de rock à succès à cette époque est un peu une histoire de fureur et de fracas, mais c’est ainsi que la création avance. Alors il est ici question de conflits d’égos entre Peter et Barney, les deux compositeurs, d’addictions et d’excès, de tournées destructrices, de milliers de kilomètres parcourus pour jouer sur toutes les scènes de la planète, de filles, de fans, de roadies, d’embrouilles, de producteurs et de managers, mais aussi de longues séances d’enregistrement dans les quelles s’affrontent encore nos deux compères sur les notes et les instruments (Barney était le seul auteur des mots), et les façons d’arriver au produit final…
On reste toujours étonnés qu’une telle accumulation de violence interne, de débauche généralisée, de modes de vie décalés, bref, qu’un tel chaos puisse finalement produire cette musique qui a marqué une génération. Peter Hook raconte sa vision de cette histoire jusqu’à la rupture définitive. New Order continue depuis avec quelques concert, mais sans Peter. Barney a lui aussi écrit ses mémoires, parfois contradictoires. Ils habitent tous les deux dans le même quartier de Londres et se rencontrent en voisins sexagénaires pour échanger quelques banalités sur le trottoir, fin d’une histoire de rock !
Neney Cherry, post-punkette des années 90, fruit des amours improbables d’un musicien sierra-léonais et d’une artiste suédoise, adoptée par la suite par le trompettiste de jazz Don Cherry qui épousera sa mère, elle commit deux disques magnifiques : Raw like a sushi et Man (1989 et 1996), délirant mélange de hip-hop, rapp, et dance, unifié par le talent de l’artiste et qui en firent danser plus d’un, sans doute aussi motivés par sa joyeuse plastique et sa contagieuse énergie.
Après différentes collaborations dans les années 2000, dont l’excellent groupe CirKus où chante également sa fille, elle revient avec Blank Project (2014) et Broken Politics qu’elle présente ce soir avec beaucoup de plaisir.
Elle est entourée d’une bande de musiciens plutôt hétéroclite : un bassiste asiatique, une xylophoniste-percussionniste noire (Rosie), une harpiste blanche, deux hommes barbus aux machines dont son mari qui assure aussi les chœurs (Cameron McVey qui a collaboré, notamment, avec Massive Attack), doublant souvent la voix de Neney, et un batteur. Tout ce petit monde éclate de bonheur, passe d’un instrument à l’autre et accompagne magnifiquement l’artiste avec tendresse et subtilité. Le fond de scène est occupé par une étrange peinture d’une tête de femme avec un filet de sang coulant des lèvres.
Lorsque Neney arrive, habillée d’un élégant costume crème, elle incline la tête les mains jointes devant le public, avant de les tendre vers le ciel en susurrant : « Parisssssssss… ». Ses dreadlocks se terminent par des mèches blondes qui s’emmêlent sur toute une quincaillerie de colliers et boucles diverses qu’elle porte ce soir. Le groupe joue principalement ce soir les morceaux de Broken Politics, en mode apaisé, narrant les combats du jour : pour l’aide aux réfugiés, contre les armes à feu et les smartphones, l’intolérance, bref, comment vivre dans ce monde brisé. Sa voix superbe sait aussi porter ces sujets avec beaucoup de persuasion. La vision est plus sereine mais plus triste aussi, sans doute pas résignée.
Entre deux morceaux elle nous rappelle qu’elle a maintenant 55 ans et trois enfants alors « ce n’est plus comme avant, » mais lorsqu’ils reviennent sur le passé et qu’elle se reprend à rapper sur Manchild, Buffalo Stance ou I’ve got U under my skin l’assistance se trémousse sur le rythme endiablé de sa voix et de ses pas de danse, elle découvre ses épaules tatouées, ses locks volent et elle nous fait fondre par son sourire éclatant. Les musiciens se déchaînent, Rosie se déhanche derrière son xylophone, le bassiste arpente la scène en donnant de grands coups de manche dans le vide. On est tout de même pas très éloigné de ce que c’était « avant »…
Un beau concert de ce groupe aux multiples influences si bien synthétisées par le talent de Neney Cherry ! Il est filmé par Arte et disponible pour encore quelques temps sur le site web de la chaîne culturelle.
On ajoute que la première partie assurée par la belge Charlotte Adigéry nous a magnifiquement mis dans l’ambiance : une superbe voix, mix de rapp et d’opéra, accompagnée sur de l’électro délivrée par un DJ.
Set list : Fallen Leaves/ Shot Gun Shack/ Deep Vein Thrombosis/ Kong/ Blank Project/ Poem Daddy/ Synchronised Devotion/ Black Monday/ Natural Skin Deep/ Manchild/ Soldier
Encore : Faster Than the Truth/ 7 Seconds (Youssou N’Dour cover)/ Buffalo Stance
Encore 2 : I’ve Got U Under My Skin
Warm up : Charlotte Adigéry
Eric Clapton – life in 12 bars ou la vie de ce guitariste de légende, adorateur du blues qu’il fera sortir de son microcosme noir, musicien influent au sein des Yardbirds, John Mayall, Cream, Blindfaith puis lors de sa carrière solo, est retracée dans ce film, avec sa grandeur et ses échecs.
Aujourd’hui âgé de 74 ans, il prête sa voix off pour commenter les étapes d’une carrière hors du commun. Hélas le film est un peu plus tourné sur sa vie que sur sa musique, ses addictions que son talent. Il aurait été bien sûr difficile de faire l’impasse sur les errements de Clapton mais le réalisateur aurait pu insister un peu plus sur sa technique, ses guitares et son jeu.
Pour le vingtième anniversaire de la sortie de leur disque de légende Mezzanine, les Massive Attack ont monté une tournée baptisée Mezzanine XXL qui passent par deux dates parisiennes au Zénith. S’agissant de faire un peu de neuf avec de l’ancien, la troupe s’est renouvelée, a rajeuni son light-show, enrichi sa setlist pour présenter un show encore plus sombre que ne le fut le CD découvert en 1998 ! Les deux soirées sont jouées strictement à l’identique.
Sur scène ce soir, une partie de l’équipage est nouvelle. Robert del Naja et Grant Marshall accueillent notamment deux guitaristes et un claviériste que l’on ne connaissait pas, et retrouvent Liz Fraser, ex-Cocteau Twins, présente sur le disque en 1998, à la voix éthérée et confuse toujours bouleversante, si bien posée sur l’électronique musicale qui la porte bien haut. Horace Andy, les deux batteurs et le bassiste sont toujours fidèles au poste.
De façon inattendue et bienvenue le groupe joue aussi des reprises dont des extraits de certaines sont déjà présentes sous forme de samples dans Mezzanine. L’introduction est un instrumental joué devant un écran LED clignotant dans les bleus de façon stroboscopique sur les hululements de guitares déchirantes, mettant en avant les talents du nouveau guitariste, enchaîné sur I Found a Reason du Velvet Underground, chantée par le second guitariste et jouée de façon suave et guillerette alors que passent des images enchantées d’une marina proprette qui pourrait se trouver en Floride ; résultat étonnant. Risingson nous ramène à un catalogue plus classique où les basses et les sons électroniques tombent en masse sur une assistance déjà pétrifiée. Cette chanson contient le sample du Velvet joué précédemment. Puis vient 10:15 des Cure, interprétée aux instruments exactement comme l’original mais avec la voix de 3D qui n’a pas grand-chose à voir avec cette de Robert Smith. Cette chanson est samplée dans celle qui suit Man Next Door, avec l’entrée d’Andy sur scène et toujours un fort coefficient d’affection de la part du public. Le rapprochement des Cure et des Massive Attack est fort à propos tant ces deux groupes ont à voir l’un avec l’autre, bien que de factures différentes et d’époques successives. Les plus jeunes rendent hommage à leurs anciens, c’est bien. Les uns et les autres assurent la permanence de cette musique mélancolique, la transition des guitares brutes vers une électronique plus présente, synthétisée ce soir par ces musiciens qui nous résument avec brio 30 années post-punk en deux heures.
Liz Frazer apparaît ensuite sur Black Milk et nous charme de cette voix si particulière, comme fondue dans le son du groupe qui l’entoure. Le reste de Mezzanine est joué, interrompu par d’autres reprises, dont une particulièrement percutante d’Ultravox (Rockwrok) et un reggae signé d’Andy. Les morceaux originaux de Massive Attack restent un mélange diffus d’harmonies en mode mineur, de rythmes marqués et surpuissants, de voix traitées à l’aune des techniques modernes, d’électronique à tous les étages et de répétition, pour délivrer une recette envoutante qui fait rapidement perdre la tête (les malaises se multiplient dans la fosse autour du chroniqueur).
On ne se lasse pas de cette musique. Nous écrivions il y a vingt ans : « C’est la musique de la fin du siècle. De nos années barbares à l’ère des computers, Massive Attack nous ouvre le portail du nouveau millenium dont le beat sera désormais le fluide vital. », il n’y a pas un mot à changer et le siècle nouveau, déjà sérieusement entamé n’a rien démenti.
Le light show est renouvelé avec des images plus classiques et réalistes sur lesquels sont projetés les messages du groupe toujours légèrement punk-naïfs. Trois gigantesques écrans sont en fond de scène, celle-ci étant entourée elle-même de deux autres. Parfois les films disparaissent et des lumières projettent des lueurs blafardes, parfois avec des clignotements stressants, filtrées par ces écrans qui les laissent passer comme à travers des toiles d’araignées. Il n’y a aucun éclairage de face et les musiciens se satisfont de cette pénombre avec laquelle nous voguons plus aisément sur leurs notes et dans leur univers. Le groupe joue deux heures, sans première partie, sans rappel, sans un mot, sans un sourire. Le show reste fondamentalement du Massive Attack, sombre, urbain et hypnotique.
Setlist : I Found a Reason (The Velvet Underground cover)/Risingson/ 10:15 Saturday Night (The Cure cover)/ Man Next Door/ Black Milk (with Elizabeth Fraser)/Mezzanine/ Bela Lugosi’s Dead (Bauhaus cover)/ Exchange/ See a Man’s Face (Horace Andy cover) (with Horace Andy)/ Dissolved Girl (Tapped vocals)/ Where Have All the Flowers Gone? (Pete Seeger cover) (with Elizabeth Fraser)/ Inertia Creeps/ Rockwrok (Ultravox cover)/ Angel (with Horace Andy)/ Teardrop (with Elizabeth Fraser)/ Group Four (with Elizabeth Fraser) (With Avicii’s Levels intro)