Catégorie : No Musique

La réalisatrice ayant emporté la Palme d’Or au festival de cinéma de cannes a déclaré en recevant son prix :

[merci de] reconnaître avec ce prix le besoin avide et viscéral qu’on a d’un monde plus inclusif et plus fluide. Merci au jury d’appeler pour plus de diversité dans nos expériences au cinéma et dans nos vies.

Traduit en français, ce vocabulaire fait référence au monde LGBTQIA+[1], le « fluide », et aux minorités de tous ordres (raciale, féministe, « décolonialiste », etc.), le « inclusif ». Cette réalisatrice donne en plein dans le jargonnage à la mode « woke », anglicisme désignant la nécessité d’être éveillé et combatif face au sort peu enviable des « minorités ».

Le film primé, « Titane », est assez étrange semble-t-il, mêlant sexualité, machines et délires variés. On est impatient de le découvrir en salle !

[1] Lesbien-Gay-Trans-Queer-Intersexe-Asexuel-plus tout ce qui n’est pas hétérosexuel et non encore identifié ou qualifié

La Mairie du XVIème arrondissement de Paris célèbre le 400^ème anniversaire de la naissance de Jean de La Fontaine en organisant différents évènements en l’honneur du poète qui a donné son nom à nombre de bâtiments dans cet arrondissement ainsi qu’une rue. Aujourd’hui Jérôme Hauser dit, interprète et commente des poèmes de La Fontaine sur dix thèmes, l’amour, l’amitié, la liberté… et réjouit une petite audience (jauge oblige) attentionnée et ravie, jeune et moins jeune.

Cela se passe sur une petite scène éphémère montée à l’ombre d’un vaste mûrier dans le parc Sainte-Périne, aux pieds du centre hospitalier de soins palliatifs du même nom. Sur la colline des grands malades s’éteignent, dans le parc sous leurs fenêtres des enfants découvrent le fabuliste et de grands enfants s’émerveillent à nouveau devant la clairvoyance de La Fontaine à décrire nos travers. Le poète joue les passeurs du temps.

Un film policier égyptien original, qui serait inspiré d’un fait réel, dans lequel on suit les enquêtes d’un policier corrompu du Caire, saisi d’une soudaine vague d’honnêteté lorsqu’il découvre des filles égorgées membre d’un réseau de prostitution de luxe impliquant les caciques du pouvoir. Sa rédemption trouvera ses limites quand la sécurité de l’Etat achètera le silence de son commissariat pour qu’il laisse accuser un riche homme d’affaire des crimes.

Tournées au Maroc, les images du film sont lugubres, toujours la nuit, souvent dans des bidonvilles surpeuplés habités par des immigrés soudanais. Elles rendent une vision sinistre de la ville du Caire à travers la morgue de ce policier désabusé. Nous sommes en 2011, les dernières images portent sur la révolution en marche Place Tahrir… Dix ans plus tard, un maréchal a remplacé un général après un pouvoir religieux en intermède. Pas sûr que grand-chose n’ait changé en Egypte !

Le musée des Maisons de Victor-Hugo (celle de Paris Place des Vosges, mais aussi celle de Guernesey Hauteville House) présente une collection des dessins de Victor-Hugo. On apprend à cette occasion que l’écrivain avait aussi des talents de dessinateur qu’il réservait aux siens, ne voulant pas considérer ses dessins (il en a produit plus de 4 000) comme faisant partie de son œuvre artistique. Nombre d’entre eux sont exposés ici après avoir été conservés par Juliette Drouet, sa maîtresse de cœur qui le suivra sa vie durant.

Son ami Célestin Nanteuil, dessinateur-graveur, va accompagner l’apprentissage d’Hugo et l’éclosion d’un véritable talent, en plus des autres… Son style est crépusculaire, sous forme de lavis de couleur sombres et ambrées, l’inspiration vient souvent de la nature qu’il dessine dans toute sa majesté, mais aussi de son combat pour la justice, son opposition à la peine de mort notamment.

Les dessins sont exposés au premier étage. Au deuxième on visite l’ancien appartement de l’écrivain-poète où ont été reconstituées certaines pièces de différents lieux où vécut l’artiste. On y voit notamment les meubles et les décors réalisés également par Victor-Hugo. On croise aussi les étapes de sa vie, les plus joyeuses comme celles qui furent tragiques (la perte de deux de ses enfants dont sa fille Léopoldine dont il était très proche), des photos émouvante d’Hugo avec ses petits-enfants (c’est l’époque de l’apparition des daguerréotypes), des écrits originaux exposés dans des vitrines, bref, tout le monde du créateur foisonnant que fut Victor-Hugo.

Oh ! Ces enfantements et ces créations,
Ces rencontres de l’âme avec les visions
Pèsent sur le génie, et, le courbant à terre,
Le penchent du côté le plus noir du mystère.
Du jour où tout ce monde étrange t’apparut,
Des passions d’en bas râlant l’horrible rut,
T’apportant des douleurs la sublime démence,
Ô sculpteur, à partir de cet instant immense,
Ta pensée à jamais fut mêlée à la nuit !

« Les Cariatides » (Les Quatre Vents de l’Esprit) Victor-Hugo

Voir aussi : | Maisons de Victor Hugo | Paris – Guernesey

Pour sa réouverture après quatre années de travaux, le Musée Carnavalet présente une exposition temporaire Cartier-Bresson (1908-2004) sur Paris. Photographe majeur du XXème siècle, proche des surréalistes, compagnon de route du Parti communiste français, il voyage très tôt à travers la planète, il photographie nombre d’évènements clés de son temps : la guerre d’Espagne, la libération de Paris en 1944, la partition des Indes coloniales, la mort de Gandhi, la révolution cubaine, Mai 68 à Paris… Photographe il s’essaye aussi au cinéma, fut assistant de Renoir dans les années 1930 et tourne quelques films politiques. Fait prisonnier pendant la guerre, il s’évade et entre dans la résistance.

Alors que le photographe à beaucoup voyagé et travaillé de par le monde il est souvent revenu à Paris retrouver son port d’attache. Il a laissé de très nombreuses photos de ses pérégrinations dans la capitale dont celles présentées à Carnavalet. On y trouve des regards émouvants sur la vie de tous les jours de parisiens de milieux populaires : pique-niques sur les bords de Marne, gamins jouant dans les rues, devantures de magasins… mais aussi des portraits de sujets qu’il admire : Mauriac, Ezra Pound, les obsèques d’Aristide Briand, Sartre… et d’autres moins connus.

On est frappé par la justesse des mises en scène où tout semble instantané mais réglé au cordeau. C’est sans doute la définition du talent. Cela révèle en tout cas l’incroyable coup d’œil de l’artiste qui fait rentrer sous terre le photographe déplorable qu’est devenu aujourd’hui n’importe quel possesseur de smartphone ! Le sens de la géométrie propre à Cartier-Bresson est aussi révélé de façon éclatante dans nombre des clichés présentés. Un quai de seine, un alignement de voies ferrées, un escalier de Montmartre, le photographe repère les figures ainsi formées pour en faire un décor des plus harmonieux sur lequel s’incruste son sujet principal dans une magie de lignes, comme sur un calque d’architecte, mais il s’agit de la réalité. Une vraie réalité d’ailleurs puisqu’il précise ne jamais compromettre avec les tirages : pas de retouche, pas de suppression. Ce qui est sur le négatif est agrandit sur le papier.

A mon sens, la photographie a le pouvoir d’évoquer et ne doit pas simplement documenter. Nous devons être des abstraits d’après nature.

On apprend par ailleurs que l’artiste a appris le dessin au crépuscule de sa vie. Certains d’entre eux sont exposés, montrant le Parc des Tuileries croqué depuis la fenêtre de son appartement de la rue de Rivoli.

Une très belle exposition qui permet aussi de mieux connaître l’intéressante personnalité du photographe.

Ce film raconte comment les services secrets britannique et américain ont embarqué dans les années 1960 un représentant de commerce londonien pour servir de porteur de courrier entre un dirigeant de la sécurité militaire soviétique (GRU) à Moscou, Oleg Penkovsky, et les services à Londres. Il ne connaît pas le contenu des messages qui portent sur l’installation de missiles nucléaires à Cuba par Moscou. Basé sur une histoire vraie, le film détaille ensuite la chute de l’agent-double soviétique, qui sera exécuté en 1963, et de son correspondant britannique qui fera deux années de prison à Moscou avant de faire l’objet d’un échange d’espions comme il s’en pratiquait régulièrement à l’époque entre les deux camps.

Le film est bien mené, les acteurs sont crédibles et le décors « année 60 » magnifiquement reconstitué, du Bolchoï de Moscou au clubs londoniens.

On suppose que ce qui a été révélé de l’affaire Penkovsky et qui sert de base au scénario est effectivement vrai, mais qui peut savoir ? Evidement, réduire 40 années d’espionnage durant la guerre froide en un film de 90 minutes pousse certainement à quelques simplifications de scénario mais l’essentiel est sans doute là : dans la guerre « froide » mais féroce qui opposait deux conceptions du monde, des citoyens, parfois ordinaires, ont pris le risque soit de trahir leur pays soit d’aider la trahison d’agents doubles appartenant à l’autre côté. Beaucoup l’ont fait par conviction, certains par intérêt, nombreux sont ceux qui l’ont payé de leurs vies et de celles de leurs familles. Les trahisons ont eu lieu dans les deux sens mais il convient de rappeler aux plus jeunes qu’à l’époque le goulag était à l’Est et les pacifistes à l’Ouest…

Aujourd’hui le combat de blocs continue de façon différente mais tout aussi violente. L’actualité regorge d’informations sur des assassinats d’ex-agents doubles russes ou soviétiques réfugiés en Europe, de scientifiques iraniens dans leur propre pays ou de chefs de guerre religieux au Moyen-Orient. La situation est plus complexe et les moyens utilisés plus sophistiqués mais la lutte pour la suprématie reste identique.

L’Heure bleue

Le Musée Marmottan expose le grand peintre danois Peter Severin Krøyer (1851-1909) dans une symphonie de bleus majoritairement inspirée par les séjours de l’artiste à Skagen, à l’époque modeste village de pêcheurs situé le plus au nord du Danemark, aux confins des mers du Nord et Baltique.

Il est question d’étendues maritimes, de plages infinies, de ciels vertigineux le tout dans des bleus crépusculaires que Krøyer restituent avec une incroyable majesté, sur des toiles monumentales comme sur de petits tableaux.

La profonde et sereine luminosité existant dans ce bout du monde septentrional a poussé un groupe d’artistes-peintres à former le « groupe de Skagen » dont un tableau représente une joyeuse agape : des trognes scandinaves, saines et pleines de santé, le teint buriné aux grands espaces marins, trinquant devant un nombre de bouteilles de vodka impressionnant…

Krøyer sut capter cette « heure bleue », instant fugace de la nuit tombante avant qu’elle ne gagne la voute céleste, et expression vulgarisée par le parfumeur Guerlain qui en baptisa l’un de ses célèbres parfums en 1912. Peintre naturaliste par excellence il s’essaya également aux portraits au début de sa carrière, ceux de sa femme Marie, peintre également, de ses amis de Skagen, d’enfants sur la plage, mais également de personnalités du « grand monde » de la capitale danoise.

Au-delà des portraits, dont ceux de son épouse qui révèlent une grande tendresse, le visiteur se perd avec délice dans les grands paysages de ce peintre d’exception. Toutes ces nuances de bleu et les reflets du soleil couchant sur les vagues ont un effet apaisant et nous plonge dans une méditation sans fin sur la beauté du Monde. Les tableaux Krøyer pourraient illustrer une conférence sur les risques que fait courir le réchauffement climatique !

C’est l’histoire d’un médecin qui s’est engagé dans un trafic d’ordonnances de Subutex via un mafieux géorgien pour aider son cousin pharmacien qui doit de l’argent à beaucoup de monde. Pour simplifier l’affaire il trompe sa femme (et leurs deux petites filles) avec la copine dudit cousin. Le garçon est gentil et pataud, mais surtout il n’arrête pas de se jeter dans des situations inextricables et semble même les accumuler. Cela se termine mal mais peut-être pas de façon définitive…

Le film se déroule exclusivement de nuit dans les ambiances glauques des boulevards extérieurs parisiens où les toxicomanes échangent leurs produits avant d’aller les consommer dans les soirées mondaines du centre-ville. Le médecin soigne et bricole les ordonnances, le pharmacien s’endette et manipule son cousin, l’amante (l’actrice Sara Girardeau, portrait craché de ses parents) volète de l’un à l’autre, les Géorgiens règlent leurs comptes à coups de couteau. Tout ça n’est pas joli-joli mais ce film noir est réussi.

La morale de l’histoire est qu’il vaut mieux ne pas trafiquer le Subutex avec des Géorgiens ni coucher avec la femme des autres si l’on veut mener une vie apaisée.

Salgado Amazônia

C’est une impressionnante exposition de photos de Sebastião Salgado présentée à la Philharmonie de Paris sur une illustration sonore de Jean-Michel Jarre : plus de 200 clichés en noir et blanc, tirés en grand format et issus des pérégrinations de Salgado durant sept années, à pied ou en hélicoptère, au cœur de la forêt amazonienne pour la sauvegarde de laquelle le photographe brésilien consacre une grande partie de son œuvre et da vie.

On apprend tout sur l’incroyable système climatologique de cet ensemble forestier grand comme l’Europe, composé de 300 à 400 milliards d’arbres, s’étendant sur plusieurs pays d’Amérique latine bien que majoritairement située au Brésil. La forêt tropicale humide pompe elle-même l’eau de la terre par les racines des arbres, qui s’évapore ensuite pour constituer les « rivières volantes » qui, enfin, se déversent à nouveau sur les arbres. Le tout est auto-suffisant mais mis en risque par déforestation qui elle-même alimenterait le réchauffement climatique.

Les photos de paysages sont majestueuses et plongent le visiteur dans un abyme de méditation sur ce monde primaire que l’humain n’a pas encore perverti. C’est sans doute l’un des derniers endroits de la planète Terre qui est encore dans l’état dans lequel nous l’avons « reçu » et cela rend la contemplation du travail de Salgado émouvante. Les clichés aériens sont tous pris avec de grands angles et l’option du noir et blanc fait parfois confondre la canopée avec un sol volcanique ou lunaire. L’eau est partout, dans les nuages comme au sol. Les fleuves débordent et peuvent monter 20 mètres au-dessus de leur cours normal en saison des pluies, modelant d’éphémères archipels d’eau douce.

Quelques tribus subsistent encore dans cette immensité et Salgado réalise aussi des clichés de ces humains survivants si loin du modernisme, veillant à maintenir leurs pratiques culturelles traditionnalistes. Leurs photos montrent des personnes plutôt trapues, taillées pour survivre dans cet improbable environnement fait d’arbres et d’eau. Les Surawahá par exemple, spécialistes de poisons, dont le taux de mortalité est important car beaucoup des adultes en bonne santé âgés de 14 à 28 ans ingèrent un poison puissant qui provoque leur mort. Il existe dans leur cosmologie trois cieux où se rendent les âmes après le décès. Le plus désirable est celui où se retrouvent les personnes qui meurent en bonne santé quand les deux autres rassemblent celles qui ont été mordues par un serpent, et celles qui meurent de vieillesse. On dirait un texte de loi sur le suicide assisté !

Quel espace, quel mystère !

La musique sur laquelle est posée cette exposition est la porte d’entrée de la Philharmonie de Paris pour aborder les questions écologiques. Jean-Michel Jarre a composé ses habituelles nappes de clavier sur lesquelles ont été greffés des échantillons des bruits de la forêt : pépiements d’oiseaux ; bruissements du vent, éclats d’eau, etc. qui sont diffusées dans les salles de l’exposition des photos. Dans les deux petites salles de projection on écoute des compositions de musiciens brésiliens : Heitor Villa-Lobas (1887-1959) et Rodolfo Stroeter, bassiste-compositeur contemporain. La Philharmonie organise par ailleurs un week-end de concerts de musiciens brésiliens et des communautés d’Amazonie.

J’ai conçu [cette musique] comme une déambulation à travers des éléments naturels, ethniques, orchestraux, électroniques, figures passagères d’une forêt que l’on traverse  et qu’on laisserait derrière soi, vestiges d’un temps et d’un espace infinis.

Jean-Michel Jarre

Basé sur le roman « Des Hommes » de Laurent Mauvignié sorti en 2009, le film de Lucas Belvaux retrace le traumatisme de deux cousins anciens appelés de la guerre d’Algérie qui, revenus dans leur village familial, gèrent différemment les suites d’un drame dont ils furent les acteurs durant cette guerre. Le film colle au roman et transmets le syndrome de ces hommes qui, encore adolescents, sont allés guerroyer pour tenter de maintenir ce fantasme politique que fut le concept d’une Algérie « française ».

Gérard Depardieu, à l’état physique dégradé, incarne à merveille le personnage le plus violent du duo qui ne s’est jamais vraiment remis de son expérience algérienne, comme tant d’autres. Le film se termine sur la question de son avenir, le pire est à craindre !

Lire aussi : MAUVIGNIER Laurent, ‘Des hommes’. – Keep on rockin’ in the free world (rehve.fr)

Prolongée jusqu’en juin 2021 pour cause de confinement, l’exposition « Follement drôle » est présentée dans le petit musée de l’hôpital psychiatrique Sainte-Anne à Paris. Montée en association avec un autre hôpital psychiatrique, allemand, elle rassemble des œuvres réalisées par des patients dont on ne connaît pas exactement les pathologies, sinon qu’ils résidaient dans ces lieux spécialisés dans les maladies mentales. Ces œuvres ont aussi fait l’objet de travaux de recherche scientifique entre art et psychiatrie.

Classés par thèmes (la critique sociale, la critique de la psychiatrie, la grivoiserie, etc.) plutôt que par ordre chronologique, nombre de ces tableaux traduisent l’humour de leurs auteurs sur leur environnement, y compris psychiatrique. Il y a également des dessins, des illustrations, des portraits gigantesques de Danton ou du Dr Guillotin. On a du mal à oublier la maladie des créateurs et l’on se demande si leur inspiration artistique est le produit de la pathologie ou un traitement de celle-ci. En se promenant dans les allées de l’hôpital qui portent les noms de géants (Verlaine, Artaud, Camille Claudel, etc.) aux créations aussi complexes que leurs neurones on médite sur les liens étranges entre l’art et la folie !

Mais on ne sait toujours pas quelle est la cause ni quel est l’effet…

Arte rediffuse cette série britannique de 1990 romançant la succession de Margaret Thatcher au poste de premier ministre. C’est une « série », donc du cinéma étriqué et à courte vue. C’est une « série », donc du simplisme et du papotage de Café du commerce. C’est une « série », donc un format peu intéressant et il serait vraiment superfétatoire de regarder les épisodes 3 et 4.

Près de 25 ans après Orange mécanique, Tarantino nous a régalé de la violence ironique de Pulp Fiction qu’il ne faut pas de priver de revoir ! Monté de façon non chronologique on y suit les aventures des deux porte-flingues d’un puissant mafieux de Los-Angeles ainsi que d’un boxeur sur le retour chargé de truquer un match par le chef mafieux. Beaucoup de sang, beaucoup de cynisme et d’humour, il ne faut pas craindre l’hémoglobine mais les mises en situation sont burlesques, les comportements et dialogues de Vincent Vega (John Travolta) et Jules Winnfield (Samuel L. Jackson) sont hilarants. Le film a obtenu la palme d’or au Festival de Cannes 1994 ce qui fut bien mérité et lança la carrière internationale de Tarantino qui poursuit depuis son œuvre sur le même sillon.

Alors que des sauvageons mal élevés mettent à mal l’autorité de la police et de la justice en injuriant, taguant et agressant à tout va, certains parlent d’une génération « Orange mécanique ». Il était temps de revisionner ce film de Stanley Kubrick, tiré du roman d’Anthony Burgess paru en 1962, le film datant de 1974. Et l’on suit les aventures d’Alex et sa bande, modérément intéressés par la chose scolaire mais beaucoup plus par la violence et le sexe. Alex, passionné de Beethoven, laisse ses parents désemparés qui ne savent pas comment le ramener à la raison. La police essaiera de s’en charger et, en prison, il subira un protocole médical destiné à le faire revenir dans le droit chemin. Un peu de chimie en échange d’un peu plus de tranquillité pour la société, deal qui se retournera contre le pouvoir politique qui croyait avoir trouvé le graal contre la violence mais sera finalement accusé de totalitarisme !

Le roman ainsi que film peuvent être qualifiés « d’anticipation » et la métaphore du traitement chimique provoquant un débat de société n’est pas très éloignée des polémiques sans fin de notre monde d’aujourd’hui face à une ultraviolence qui elle, est bien notre quotidien.

1974, Brian de Palma réalise « Phantom of the Paradise » ou le mythe de Faust adapté au monde du glamrock de l’époque. Winslow a composé et interprète une cantate mais il se fait maltraiter par le producteur Swan (joué par le musicien et acteur Paul William qui a aussi écrit la bande originale du film ainsi que de nombreux autres hits) qui veut la faire chanter par d’autres. Swan a passé un acte avec le diable qui lui assure une éternelle jeunesse. S’en suivent bien des évènements au cours desquels Winslow signe lui aussi un pacte avec Swan pour que Phoenix, la chanteuse qu’il a choisie soit son interprète. Ensemble, ils se rendent « du côté de chez Swan » pour finaliser la cantate qui sera jouée en public et aboutira à un incroyable final avec la mort de Swan et de Winslow, et le triomphe de Phoenix.

Un beau film, une très belle musique, à revoir régulièrement !